Por Eduardo Boix

Hay muchas películas que tratan la vida de escritores o lo que puede cambiar la literatura a las personas. Sí queridísimos lectores, un buen libro o lo que en él se transmite nos puede cambiar la vida. También es cierto, que algunos profesores a lo largo de nuestra vida consiguen el propósito de hacernos madurar, enseñarnos a pensar, gracias a ofrecernos otra visión de lo que pueden transmitir los libros. La película más representativa de esto, es sin duda, El club de los poetas muertos. En esta obra con la poesía de Withman nos ofrecen una gran moraleja, Carpe Diem se repite a lo largo de la película, aprovecha el momento, haz lo que te haga feliz.

Si hay una película que realmente a mi me haya impactado, tanto por su belleza visual como por su música e incluso por una de sus historias, esa es Las horas. En esta obra confluyen tres historias alrededor de un mismo libro, “Mrs. Dalloway” . La primera historia es la de la creación de la misma protagonizada por una irreconocible Nicole Kidman, que hace el papel de Virginia Wolf. La segunda historia es la de Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre en Los Angeles a fi-nales de la Segunda Guerra Mundial, está leyendo “Mrs. Dalloway”, novela que encuentra tan reveladora que decide hacer un cambio abrupto en su vida. Concluye con uan tercera historia que es la protagonizada por Cla-rissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de la Sra. Dalloway de Wolf, vive en la ciudad de Nueva York en la actualidad y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta que está muriendo de SIDA.

El personaje de Harris me cautivó. Este actor borda los papeles de artista atormentado. Recuerdo como disfruté viendo Pollock, biopic del reconocido pintor estadounidense. En una escena de la vida del artista su mujer le pregunta que prefiere, si su arte o a su familia. El pintor calla, no se puede definir mejor una respuesta. En Las horas pasa tres cuartos de lo mismo, un poeta atormentado aquejado de SIDA busca ya su final. Debido a los medicamentos se mezclan su obra, la realidad y los recuerdos. Porque un poeta es eso, recuerdos ficcionados o reconvertidos en poemas. Los límites de la creación son tan finos que a veces realmente no sabemos si algo es inventado o es real. Ya lo dice el dicho la realidad supera con creces la ficción. Pero la ficción nos descubre siempre algo nuevo.

Por Eduardo Boix

Recuerdo a mi abuela cocinando huevos fritos con patatas y escuchando boleros. Antonio Machín, forma parte de la educación sentimental de este país. El bolero son grandes historias de amor comprimidas en apenas 3 minutos. Cada vez que escucho una de esas canciones me traslado a esa época en la que no existían los problemas y era tan feliz.

Hace unos meses fui a ver la película Chico & Rita al cine y la disfruté viendo aquella preciosa historia de amor vivida por personajes de un bolero. El argumento lo dice todo en la Cuba de finales de los años cuarenta, Chico y Rita viven una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz, y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde que se conocieron en un baile en un club de La Habana, el destino va uniéndolos y separándolos. Lloré y reí a partes iguales, mientras disfruté con unas ilustraciones coloristas y sensuales del conocido ilustrador Mariscal. La Habana sale preciosa, está bien dibujada y muestra su color y sus edificios coloniales como nunca se ha visto en cine.

Chico & Rita acaba de ser nominada para el Oscar. Desde Nueva York, Londres y París llueven las enhorabuenas y las preguntas de los periodistas sobre el hermoso bolero de 96 minutos que hizo con Fernando Trueba y su hermano Tono Errando, merecedor de un Goya y de numerosos premios internacionales. A estas alturas, hay consenso: Chico & Rita ha sido un diez en cuanto a críticas y prestigio. Pero en términos económicos, esta historia de música y amor a caballo entre La Habana y Nueva York ha supuesto un duro revés para sus creadores, aunque poco de esto se conoce y ni falta que hace. “Éramos conscientes de que una película de dibujos animados para adultos era un riesgo”, comenta. “Por desgracia”, la gente sigue identificando animación con niños y Navidad, le cuesta ir al cine a ver películas como esta”. Sus palabras no reniegan. Todo lo contrario, asegura que “con Fernando” repetiría y haría “cinco películas más”. Proyectos en cartera hay, confirma; pero de eso no trata este trabajo sino de lo que ha ocurrido con él 25 años después de que metió la nariz por vez primera en esta antigua fábrica de curtido de pieles de la calle Pellaires.

Chico & Rita es nuestra esperanza en los Oscars. Yo auguro que van a conseguir la preciada estatuilla. Sería la segunda para Trueba y la primera para Mariscal. Bebo Valdés se lo merece. Un músico enorme, una película preciosa, y una historia increíble que puede acabar convirtiéndose en todo un clásico como lo fue Casablanca.

Por Vanessa Díez.

Cada vez que suena el What A Feeling de Irene Cara, aunque sea en versión disco modificada, me acuerdo de Flashdance y de ella persiguiendo un sueño. Soldadora que se esforzaba por convertirse en bailarina profesional, ya que bailaba en un antro, quien no recuerda aquella escena sobre la silla en la que se echa un cubo de agua sobre sí misma. Su bicicleta y sus pasos de baile al ritmo de la música fueron testigos de toda una generación. Además de aquella relación de amor liberal, entre el contigo y sin ti. Son de esas cosas que te dan fuerza. Realmente sí lo hacía, porque en 1983 con la película fue nominada a un Globo de Oro. Fue un éxito de taquilla y recibió un Oscar. Aunque todo se difuminó tras el escándalo que se produjo al revelarse que las escenas que requerían movimientos atléticos las había interpretado Marine Jahan, una actriz y bailarina francesa y no Jennifer Beals.

Algo similar ocurrió en Black Swan (Cisne negro), trabajo por el que Natalie Portman ganó el Óscar, el Globo de Oro y el Premio de la Asociación de Críticos y Guionistas estadounidenses. Además, la película fue nominada a los BAFTA y a los Globos de Oro. Para escenas específicas hubo dobles, en el caso de Natalie Portman fue la bailarina profesional del American Ballet Theatre Sarah Lane. La polémica llegó con unas declaraciones de Benjamin Millepied, coreógrafo de Cisne negro, marido de Natalie Portman y padre de su primer hijo. Declaró que Natalie había realizado el 85% de las escenas de baile, tras esto Sarah Lane dijo que Natalie Portman solo trabajó en el 5% de las escenas de ballet. Aronofsky , el director, dijo de Portman que “fue capaz de lograrlo. Excepto las tomas en las que tenía que estar “en punta” por mucho tiempo, siempre es ella en la pantalla. No utilicé mucho a su doble”.

Puede que el tiempo sea más comprensivo con las polémicas sobre la línea que separa el trabajo del doble y el trabajo de las estrellas. En el último caso no se ha situado la daga sobre la cabeza de la actriz, ya que ha realizado cuatro películas tras ser la atormentada bailarina. En cambio Jennifer Beals tuvo que refugiarse en Yale y seguir con su vida alejada de los flashes. Aún así ha participado en unas 50 películas. Verla recitando una larga lista de sinónimos para el miembro viril en Four Rooms (1995) fue impactante, su personaje era una mujer fuerte. La actriz es íntima amiga del director Quentin Tarantino, que también le ofreció un papel en su parte de la película Four Rooms, ella participaba en la de su ex-marido Alexandre Rockwell. La televisión con la serie The L Word la ha sacado del abismo. Al menos continúa en la brecha.

Por Eduardo Boix

Intento volver a ver ciertas películas con los ojos del niño que fui. He tenido la suerte de vivir en una familia que me ha dado la plena libertad de buscar mi propio mundo interior fuera de sus convicciones y creencias. La niñez es la etapa de un ser humano que más marca. Siempre acabas memorando esos días en que tu mayor preocupación era llevar los deberes hechos a clase. La infancia tan recurrente en mi literatura es uno de los rincones más complejos del ser humano, es un folio en blanco con mucho que llenar. El otro día volví a ser un niño viendo la película de Garci El crack 2. Si has visto la primera el argumento es similar. El detective Areta acepta un caso recomendado por su antiguo comisario, el abuelo. El nuevo cliente, llamado Miguel Sampedro, es un hombre homosexual maduro, antiguo compañero de estudios del comisario, cuya pareja de 20 años acaba de abandonarle, y quiere saber si hay otro hombre de por medio.

Areta con la colaboración de su ayudante Cárdenas (alias el moro) organiza un seguimiento de Alfonso Leiva, el médico pareja del cliente contratante. Tras varios días de investigación Areta comunica a su cliente que no hay ningún otro hombre en la vida de Leiva, que lleva una vida ordenada y sin salir por las noches salvo para ir al psiquiatra un par de veces a la semana, cosa que sorprende a su compañero, y tener un breve encuentro junto al Templo de Debod al parecer para mantener una discusión. Además le dijo que tenía una caja en un banco con una fuerte cantidad de dinero en sellos, monedas antiguas y gemas.

Poco tiempo después aparece la pareja muerta violentamente, la policía cree que se trata de un crimen pasional, que Leiva mató a su compañero de un golpe y luego se suicidó, pero Areta está convencido de que se trata de un asesinato doble. El abuelo le pide que investigue el asunto y aunque en principio Areta se niega termina haciéndose cargo de él después de que dos individuos irrumpieran en su oficina le dieran una paliza al moro y destrozaran la oficina dejando la advertencia de dejar a los muertos en paz. Ahí comienza su verdadera investigación.

Las dos películas que hicieron que viésemos a Alfredo Landa con otros ojos deberían reivindicarse como dos obras maestras. El cine de Garci de esos años es muy notable. Destaco Las dos películas de El Crack y Las verdes praderas. Su cine de la época es un claro resumen de lo que fue la transición. Mi infancia se podría resumir en esa oscuridad y ese recelo de una etapa tan convulsa como fueron los años 80. Y sigo emocionándome con las imágenes de aquel Madrid que tan bien refleja Garci.

Por Vanessa Díez.

“The Artist” y “Los descendientes” fueron las apuestas de los últimos Globos de Oro, que se suelen considerar la antesala de los Oscar, una con tres nominaciones y la otra con dos; pero esta vez la más nominada es “La invención de Hugo” con once candidaturas, de cerca le sigue con diez “The Artist”, una de las favoritas hasta el momento y la tercera posición está entre “Moneyball” y “War Horse” con seis nominaciones. Atrás quedan “Los descendientes” y “Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres” con cinco, con cuatro “Midnight in Paris” y “Criadas y Señoras”, tan sólo con tres se queda “El árbol de la vida” de Terrence Malick, una de las grandes injusticias con ausencia en nominaciones a sus actores principales, los cuales han sido nominados por otros trabajos curiosamente. Y por último con sólo dos “Tan fuerte, tan cerca” de Stephen Daldry. “The Artist” y “El árbol de la vida” han sido dos ejemplos de incomprensión por parte del público general, aunque la crítica las ha tratado de forma distinta, se ha elogiado y premiado con más nominaciones y premios diversos a la primera frente a la segunda. A veces cuesta pensar. Supimos ya hace unos días que “Pa Negre” se quedaba sin opciones al no pasar la criba final. Entre las posibles nominadas a Mejor película extranjera está la ganadora de los Globos de Oro que fue la iraní “Nader y Simin: una separación”. Se enfrenta a “Bullhead” (Bélgica), “Footnote” (Israel),”In Darkness” (Polonia) y “Profesor Lazhar” (Canadá). Aunque se nos saca el sabor amargo de “Pa Negre” con la nominación de “Chico y Rita” de Fernando Trueba y Javier Mariscal, una de las candidatas a Mejor Película de animación. Frente a “A cat in parís”, “Kung Fu Panda 2”, “El gato con botas” y “Rango”. Al menos en “El gato con botas” con sus voces protagonistas tenemos representados a Antonio Banderas y Salma Hayek. Si seguimos buscando opciones conocidas, el donostiarra Alberto Iglesias fue nominado por su banda sonora de “El topo”.

Entre las nominaciones de Mejor Actor volvemos a encontrarnos con George Clooney por su trabajo de “Los descendientes”, ganador del Globo de Oro, y se vuelve a enfrentar a Jean Dujardin por “The artist”. Los contrincantes para ambos son el mexicano Demián Bichir por “A better life”, Gary Oldman por “El topo” y Brad Pitt por “Moneyball”, aunque no por “El árbol de la vida”. Entre los secundarios que aspiran a premio están Kenneth Branagh (“Mi semana con Marilyn”), Jonah Hill (“Moneyball”), Nick Nolte (“Warrior”), Christopher Plummer (“Los principiantes”) y Max Von Sydow (“Tan lejos, tan cerca”).

Las que se aspiran a la estatuilla de Mejor Actriz son tres veteranas como la ganadora del último Globo de Oro Meryl Streep por “La dama de hierro”, Glenn Close por “Albert Nobbs” y Viola Davis por “Criadas y señoras”. Frente a los valores al alza que representan Michelle Williams que ganó un Globo de Oro por “Mi semana con Marilyn” y Rooney Mara, una de las sorpresas en estas nominaciones (“Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres”). Entre las actrices que aspiran a la estatuilla de Mejor actriz de reparto está la ganadora del Globo de Oro como secundaria Otavia Spencer por “Criadas y señoras”. Sus competidoras son Bérénice Bejo (“The artist”), Melissa McCarthy (“La boda de mi mejor amiga”), Janet McPier (“Albert Nobbs”) y Jessica Chastain (“Criadas y señoras”), por el mismo trabajo, aunque no por “El árbol de la vida”.

Grandes injusticias que ni siquiera aparecen como ”J. Edgar” de Clint Eastwood con Leonardo DiCaprio. Otras como “El árbol de la vida” o “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” de Spielberg, que se quita el resquemor con las nominaciones conseguidas por ‘War horse, caballo de batalla’, su otro trabajo; que aunque aparecen lo hacen tan sólo de pasada, sin conseguir el reconocimiento que se merecen. La gala suele desprender glamour y derroche, pero normalmente no suelen haber muchas sorpresas en algunas candidaturas, pero sí grandes fantasmas. Todavía habrá que esperar  hasta finales del próximo mes. Hagan sus apuestas.

Por Vanessa Díez.

En su juventud fue cantante de ópera. Una irlandesa en la edad de Oro del cine clásico moderno de Hollywood, reconocida por sus actuaciones de mujer de carácter en varias películas de culto. En 1939, sería la gitana en Esmeralda la Zíngara, película que se llamaría El Jorobado de Notre Dame. Tenía sólo 19 años, fueron sus comienzos. En 1946, se le concede la ciudadanía estadounidense, siendo la primera mujer irlandesa en obtener la nacionalidad americana. Maureen O’Hara fue amiga íntima y de toda la vida de John Wayne y John Ford y también de la actriz Anna Lee. O’Hara y Wayne compartieron muchas películas juntos llegando a creer el público que estaban casados en la vida real. “Wayne fue realmente un verdadero hombre [...] denme un hombre como Wayne” (Maureen O’Hara en una entrevista de 1950). La llamarían La Reina del Technicolor.

Tú a Boston y yo a California (1961) fue una de sus últimas películas con unos 40 años, muy bien llevados por cierto, en la que nos ofrece una comedia familiar de enredo en la que todo termina bien, la cual tendría un remake años más tarde con Tú a Londres y yo a California, sería la presentación de Lindsay Lohan. Se retiró en los 70 por el gran amor de su vida, su esposo Charles F. Blair Jr., que murió en 1978 en un accidente. Aunque en los 90 hizo algo de cine y televisión. Fueron 55 películas en sus 60 años de carrera. Sufrió cáncer tres veces y además contrajo diabetes, enfermedades que logró controlar. En 2004 publicó su autobiografía, Ella misma. Vive retirada a sus 91 años.

Por Vanessa Díez.

Hija de dos alcohólicos que se separaron dejándola en la calle, Edith Piaf, tuvo que sobrevivir sola ante la adversidad ganándose el pan cantando por las calles y los tugurios. Se quedó embarazada con 16 años, pero Cestelle murió con dos años por una meningitis. Aquella muerte la marcó. En 1935 Louis Leplée, propietario de Gerny’s, cotizado cabaret de la época al que acudían los famosos de París, la encontró cantando en la calle. Le hizo una prueba y la contrató. Le enseñó los secretos del oficio y la convirtió en una figura. Al morir Leplée asesinado de un disparo la consideraron sospechosa. La prensa la acusó sin pruebas, dejando su carrera entre las tieneblas, ya que tanto el público como los intelectuales le dieron la espalda. Se entregó a los excesos. Empezó a centrarse a finales de los años 30, bajo la influencia del letrista Raymond Asso, su amante del momento, trabajó con disciplina en su repertorio y volvió a tener grandes éxitos. Convertida en la dama de la canción francesa, ayudó a artistas noveles como Yves Montand, Gilbert Bécaud, Georges Moustaki, Eddie Constantien o Charles Aznavour con los que mantenía apasionados romances hasta que se cansaba y los abandonaba. Se iba haciendo mayor y sus amantes eran cada vez más jóvenes.

El gran amor de su vida fue el boxeador Marcel Cerdan. Su muerte en un accidente de avión fue un golpe demasiado fuerte y la cantante se hundió en la depresión y de nuevo su vida fue sexo, alcohol y tranquilizantes. Tras un accidente de tráfico se volvió adicta a la morfina.

Murió de cáncer el 11 de Septiembre del año 1964. Fue enterrada en el cementerio de Père Lachaise, no lejos de la calle donde vino al mundo, y 40.000 personas acompañaron su cortejo fúnebre. Según sus deseos, sus peluches preferidos (dos liebres y un león) fueron enterrados con ella para que, al igual que su tormentosa vida, le acompañaran siempre en el más allá.

La vie en rose, el biopic sobre la vida de Edith Piaf protagonizada por Marion Cotillard, abrió la Berlinale (Festival de Cine de Berlín) en 2007. No existe Marion, tan sólo Edith con sus excesos, por ello le dieron el Oscar. Niña atormentada que se autodestruye, porque no es capaz de conservar el calor de otros. Fueron muchas las carencias afectivas que le legaron, siendo difícil ser feliz. Ahora su Rien De Rien forma parte de películas y campañas publicitarias.