Por Sandro Maciá.

Sin paracaídas. Sin miedo. Sin tomar carrerilla, con suavidad. Sin temer al mundo y a los que lo habitan. Sin ser puristas pero fieles a un estilo. Sin forzar pero llegando al extremo… Todo esto y mucho más es lo que resumiría en un par de frases la historia y la trayectoria de un grupo de Barcelona que, pese a no contar con un original comienzo en esto de la música -o sea, nada de leyenda negra ni mitos-, han sabido hacerse un nombre a base de quitarse complejos y dedicarse ser prácticos y contundentes colgándose una guitarra, olvidándose de todo los establecido y expulsando a golpe de distorsión todo lo que llevan dentro.

¿Su nombre? Mujeres. ¿Su sexo? Hombres. Sí, así es. Que nadie espere escuchar la dulce voz de una dama en las canciones de este cuarteto catalán porque detrás de un pseudónimo tan sugerente se esconden unos chicos de barba estilosamente desaliñada y de un salvajismo rítmico tan brutal y frenético que les ha llevado, desde su debut hace cuatro años con Mujeres (Sones, 2009), a ser comparados con bandas como Black Lips o The Strokes -salvando las distancias y refiriéndonos, en el caso de los segundos, a sus primeros trabajos-.

Sus guitarras respiran esa rabia propia del underground más garajero, un sentimiento que vuelve a estar presente en Soft Gems (Warner, 2012), su nuevo disco de estudio, y que unas veces se transforma en un torrente de energía cargado de suciedad, saturación y voces desgarradas (veáse el tema que abre el álbum: Soft Gems); pero que, en otras ocasiones, se presenta de forma más controlada, más fiel a algunos estilos ya establecidos, como ocurre con I’m Over with You y su palpable inspiración yankee.

Los chicos de Mujeres -valga la paradoja-, con la lengua de Shakespeare por bandera (salvo excepciones contadas, como la breve y estrepitosa Salvaje) han hecho un segundo trabajo que, si no les vale para consolidarse como una de las bandas de referencia en nuestro país, al menos les irá allanando el camino para estar más cerca de ser cabezas de cartel de los próximos festivales y conseguir que miles de “fibers” o “sounders”, por poner algún ejemplo de asistentes a estos eventos multitudinarios, tarareen los versos de How I Am -para muchos el punto o nexo de unión entre su debut homónimo y su segundo trabajo- o de la turbiamente dulce Far Away.

Quien busque un poco de tranquilidad, que se olvide de estos chicos. Quien quiera perder unos quilos sudando y saltando hasta partirse los tobillos, que corra ya a ponerse en primera fila. Porque una cosa está clara: Mujeres no decepciona, ahora, que todo el mundo aguante su ritmo ya es otra cosa.

Por Sandro Maciá

Dos acordes, un poco de distorsión y varias frases ingeniosas. Si a estas tres cosas le sumamos unos cuantos sonidos curiosos y subimos el volumen de los instrumentos hasta camuflar la voz y que parezca que nos están enviando mensajes desde el Más Allá, obtendremos la fórmula exacta que utilizan muchos grupos indie para encabezar carteles en festivales y llenar salas de conciertos.

No dudo que el pop se caracterice por la frescura y la sencillez. Tampoco niego que la innovación es algo que me lleva atrayendo desde que los Planetas irrumpieron en el panorama musical con sus distorsiones interminables y sus versos difuminados -pero siempre trabajados-; sin embargo, no pocas veces me he parado a pensar… ¿Dónde ha quedado la autenticidad? ¿Será todo fruto de dejarnos influenciar por lo más extravagante y lejano atendiendo a aquello de que “nadie es profeta en su tierra”?

Tic, tac, tic, tac… ¡Quien tenga respuesta que levante la mano! Yo, por mi parte, lo que puedo decir con una inmensa alegría es que el viernes asistí al concierto de un grupo que sí demuestra originalidad y trabajo en todo lo que hace, un grupo que a fuerza de ofrecer su arte en forma de canciones ha conseguido profetizar tanto en su tierra como en casi todo el territorio nacional: Klaus&Kinski, que están de estreno de Herreros y Fatigas (Jabalina, 2012), su tercer “hijo”.

Este dúo murciano, que lleva ya tres discos de estudio -sin contar colaboraciones o discos de versiones- llenó la sala de la Llotja de Elche de talento, luz y sensibilidad con una puesta en escena de lo más verbenera -entendido en el mejor de los sentidos, como pudo comprobarse cuando a lo largo de toda la actuación iba proyectándose a espaldas de los músicos una imagen con banderitas y luces de fiesta que simulaba, con efectos de luz, el paso del día, desde la tarde a la noche- y gracias a la dulce voz de Marina y a la excelente compenetración del resto de la banda, con Álex y su guitarra a la cabeza.

Canciones como Mengele y el amor o El Rey del Mambo y La Reina de Saba, de un estilo tan original como clásico -ukelele y coros de tipo “bolero” de Álex incluídos-, se mezclaron encima del escenario con piezas mucho más movidas – todos bailamos con la marchosa Rockanrolear y con la elctrónica Forma, Sentido y Realidad- y con temas que no podían faltar como Mamá No Quiero ir al Colegio, que resultó en directo tan espectacular como lo es en Tierra, Trágalos (Jabalina, 2010), uno de sus trabajos más conocidos.

Sé que ver a un grupo tan auténtico puede resultar peligroso -recordemos que las comparaciones entre un directo y lo que suele presentarse ya editado en un cd no siempre son una buena idea-, pero Klaus and Kinski ofrecieron un espectáculo de lo más equilibrado, tanto en calidad como en cantidad. Ellos, como diría Aristóteles, encontraron “el término medio” para presentar ante los asistentes una selección de canciones que, con una interpretación impecable, emocionaron y divirtieron por igual a todos los que allí nos congregamos para comprobar que lo auténtico sigue existiendo (y mucho más cerca de lo que creemos).

Por Sandro Maciá.

Recuerdo, como si fuera ayer mismo, cómo me marcó un libro que, con un título muy peculiar y una historia que entretiene más por su original planteamiento formal que por su contenido en sí -que tampoco está mal- llegó a mis manos a través de una buena amiga que, ya sabiendo de mis gustos, me recomendó encarecidamente. El ejemplar en cuestión –casi desconocido en nuestro país por aquel entonces y ahora famosísimo- fue El Curioso Incidente del Perro a Medianoche, de Mark Haddon, una novela tan breve como intrigante que protagoniza un preadolescente con síndrome de Asperger, enfermedad que le lleva a desarrollar una impresionante memoria fotográfica y una relación de amor-odio con algunos colores.

Asperger, odio por el amarillo y amor por el rojo, un perro, un incidente, la noche… No, no me he tomado ningún tipo de estupefaciente ni me he fumado nada raro, lo que pasa es que pocas obras -como la de Haddon- me hacen sentirme tan identificado con el estado de sorpresa, casi epiléptico, que estoy viviendo durante toda la mañana desde que me he aventurado a escuchar el último disco de una banda que se ha puesto esta semana de rabiosa actualidad al convertirse en uno de los grupos que más carteles de los festivales veraniegos españoles está acaparando: Fanfarlo.

“Fan-far-lo”… Así, como suena. Estas tres sílabas, tomadas del título de una novela de Baudelaire, no dan un aspecto muy “guiri”, es cierto, pero basta con escuchar a estos cinco suecos -residentes ahora en Londres- para saber por qué se están ganando la admiración de fans y críticos de medio mundo con su Rooms Filled With Light (Atlantic Records,2012), sucesor de su debut Reservoir (Atlantic Records, 2009).

En este trabajo, los injustamente llamados “los nuevos Arcade Fire” han demostrado que el éxito puede conseguirse a base de golpear tímpanos con ritmos eclécticos y aderezados con una orquestación elaborada -más en su primer álbum de debut que en éste- sin necesidad de posicionarse en un estilo concreto; simplemente dejándose llevar y consiguiendo crear un sonido propio, algo de lo que pocos artistas pueden presumir.

Temas como Replicate o Deconstruction (cuya presentación individual se hizo en un single que va acompañado de una pista, una cara B, llamada Reconstruction) representan de una forma clara y luminosa -adjetivo aplicable a la inmensa mayoría de sus composiciones- el saber hacer de unos músicos que, tanto en la producción como en el ámbito artístico, han decidido rodearse de grandes profesionales. ¿Una muestra? Basta con ver la portada y el libreto (diseño de A. Díaz) o con escuchar cualquier canción (producidas todas por B.H. Allen, que ha trabajado con Animal Collective, entre otros).

Como complemento, si estas propuestas no ayudan a saber qué hace especiales a los Fanfarlo, es casi obligatorio recomendar cortes como el “popero” Dig o la melódica y delicada Shiny Things, ambos también representativos del estilo de una banda que hará vivir una experiencia etérea, que no por ello aburrida, a todos los que decidan acudir a cualquiera de los directos que tienen programados en nuestro país en los próximos meses.

Por Sandro Maciá

Sé que hay cosas que no están bien, que “están feas” -como diría mi madre- o que, siendo más elegantes, pueden calificarse de políticamente incorrectas. Sé, por ejemplo, que no sería muy normal preguntarle a unos padres a cuál de sus hijos quieren más o pedirle a alguno de mis amigos que, delante de su novia, me diga a cuál de todas las chicas con las que ha estado ha amado en realidad. Y así podría enumerar mil y una situaciones en las que, sólo con el poder de evocar una palabra detrás de otra, podría organizarse un conflicto que superaría en intensidad al mismísimo Dos de Mayo que conmemoramos la semana pasada.

Precisamente por eso, cuando el domingo por la mañana me hallaba dentro de un tren volviendo de Murcia después de pasar casi dos días sin dormir y aun con los últimos acordes que sonaron en el Festival SOS 4.8 antes de abandonar el recinto de La Fica, me planteé lo injusto que puede ser comenzar a arremeter contra la organización de cualquier evento de este tipo sin pararme a pensar en todo el trabajo que, no dudo, habrán estado llevando a cabo desde hace días.

Ahora bien, ser comprensivo no significa ser tonto, y por este motivo creo que es justo reconocer que, si en todas las ediciones de este Festival Internacional de Acción Artística -llamado SOS 4.8 desde su reciente creación allá por 2008- he vuelto a casa más que contento, este año, en su quinta edición, me he quedado un poco frío…, casi a medias.

Entiendo que hay cuestiones ajenas al propio festival, como la cancelación repentina y tan criticada de SebAstian –cuya actuación estaba prevista el viernes sobre la una y media de la madrugada-, la desgana con la que Gossip subió al escenario Estrella De Levante para aburrir a todo el público con una actuación casi vergonzosa que ni con unas cuantas cervezas en el cuerpo podía aguantarse sin bostezar o la presentación del ridículo nuevo single de los Zombie Kids; sin embargo, lo que ni entiendo ni comparto es que el afán recaudatorio prevalezca sobre la lógica, como ocurrió cuando me informaron de que los tickets para canjear por bebida sólo podían adquirirse en múltiplos de dos -o sea, había que comprar dos o cuatro o seis u ocho…, aunque luego no los consumieses- o como cuando me acerqué a por un programa de mano con los horarios de las actuaciones –gratuitos en todos los festivales a los que he ido- y me dijeron que valían dos euros.

Por suerte, paralelamente a que a cada paso mi bolsillo se fuera vaciando mientras hacía tiempo entre una serie de conciertos que no han sido del nivel que merecía un SOS que ha ido creciendo -en cantidad y calidad- año tras año, me quedo con el placer -y orgullo personal- de haber visto a Pulp en directo y con la alegría de ver que se sigue apostando por el pop patrio (Love of Lesbian, Nacho Vegas o Klaus and Kinski, entre muchos otros), por el arte en todas sus disciplinas creativas (no hay que olvidar los Workshops de, por ejemplo, Quim Tarrida o Joaquín Reyes; o el Art Show de Mustang, por citar algunas iniciativas) y por las nuevas tecnologías (este año se creó una aplicación para smartphones).

No negaré que ha sido un SOS agridulce -venga, vale, diremos que fue más dulce que agrio-, pero creo que, si para la edición de 2013 se tiene en cuenta que a veces es mejor hacer algo más sencillo pero de mayor calidad, todo volverá a ser como en las ediciones anteriores, es decir, espectacular.

Por Sandro Maciá.

De comerme el mundo a hundirme en mis penas. De sonreír cuando amanece a taparme con el edredón para no querer salir de la cama. De lo alto a lo bajo. De la risa al llanto… A veces puedo ser bipolar en muchos aspectos de mi vida, lo asumo. Pero ¿hasta en la música? Sí, hasta en la música. Sólo con ver mi colección de discos -exacto, leéis bien, soy de los que aún compra y no descarga, aunque eso es otro tema digno de debate- cualquiera se echaría las manos a la cabeza o, evitando lo políticamente correcto, se reiría a carcajadas. Incluso creo que lo mío con los estilos musicales, desde hace un tiempo y como he mencionado varias veces, está siendo tan variable como lo son mis sentimientos ante las ñoñas campañas publicitarias de Navidad que inundan la programación televisiva de noviembre a enero.

Ya no sé si es locura o vejez, pero puestos a escoger prefiero camuflar la verdad y pensar que, en realidad, lo que me pasa es que estoy aprendiendo a disfrutar de cada canción sin prejuicios, sin ideas preconcebidas; o sea, intentando valorar cada trabajo en su contexto individual y, lo más importante, en el lugar que le corresponde.

Y así, con esa mentalidad casi nihilista, es como he decidido armarme de valor para volver a adentrarme en el universo sonoro de Marlango, esa banda de “mi querida España” -como cantaba Cecilia en los setenta-, liderada por la actriz (y cantante, obviamente) Leonor Watling, una mujer de mirada infinita cuya voz causa en mí tanta admiración que sólo la duda de cómo podría sonar en castellano me ha hecho retrasar más de dos semanas el momento de escuchar Un Día Extraordinario (Universal Music, 2012), su último disco.

¿Mi conclusión tras decidirme a darle al play? Simple y llana: he perdido dos semanas de mi vida sin disfrutar de las últimas canciones que el trío madrileño, pese haber cambiado del inglés a la lengua de Cervantes, ha compuesto sin perder un ápice de su estilo y sin que su soft-pop aderezado con tintes de jazz y blues deje de sonar tan “imperfectamente perfecto” como sus cuatro trabajos anteriores.

La dulce y descarada Dame la razón, la intensa Ir o la simpática Si yo fuera otra son sólo tres de las diez piezas que, bajo la producción de Suso Saiz (Luz Casal, Iván Ferreiro…), completan el repertorio de un disco que ha sido grabado en directo -¿se puede pedir más?- y en el que la voz de Leonor no brilla, deslumbra con un manejo del tono y unos giros que dotan de importancia a cualquier melodía, por sencilla que parezca.

Eso sí, puestos a criticar -que no todo es perfecto-, sólo temo que, de seguir así, lo de mantener su estilo acabe haciendo de Marlango un grupo más que, a no ser por las letras, no aporte nada nuevo. Yo, de momento, confío en que esto no pase.

Por Sandro Maciá

Los seres humanos somos animales de costumbres. Desde que nacemos, parece que adquirimos rutinas de forma natural, instintiva, casi por obligación, dependiendo de dónde, cuándo y cómo nos criemos. De hecho, si hubiéramos nacido en un lugar y una época distinta a la actual, probablemente yo no estaría escribiendo esto, o al menos no desde un ordenador… ¿Quizá estaría ahora con un papiro entre las manos? ¿Puede que, en vez de un teclado, estuviera agarrando un cincel y una tablilla de piedra? O, no yéndome tan lejos, ¿se estarían deslizando mis dedos sobre los resortes de las teclas de una máquina de escribir?

Seguro que a muchos les gustaría viajar en el tiempo para averiguar cosas como éstas y para ver qué habría sido de ellos hace, por ejemplo, dos siglos. Sin embargo, yo, aunque tenga curiosidad por saber cómo habría desempeñado mi trabajo en otro tiempo, siempre he tenido claro que emplearía mi oportunidad de retroceder temporalmente en hacer, más que un viaje, una breve excursión de unos veinticinco años que me llevase a la España de los años ochenta, a esa década de “hombreras gigantescas, glitter en el pelo, esmalte de uñas negro, leopardo y cuero”, como bien cantaba Alaska en su archiconocido Rey del Glam.

Bien, pues por fin lo he conseguido. El sábado pasado logré, durante unas dos horas, trasladarme a esta añorada época y vivir la esencia del espíritu ochentero gracias al concierto acústico que dio Coque Malla, ex cantante y líder de Los Ronaldos -sí, la mítica banda madrileña- en la sala La Llotja, en Elche.

Al fondo, un telón negro. Sobre él, nada más que el propio cantante y su guitarra. Junto a éstos, dos amplificadores. Con una puesta en escena tan austera como íntima, el artista -léase esto con el ímpetu que se merece alguien de su talla- emocionó y alegró por igual a un público que no sólo disfrutó de las versiones acústicas de su último disco, Termonuclear (que editó Warner Music en 2011 y que inspiró al sucesor Termonuclear en Casa de Coque Malla, del mismo año y discográfica)-, sino que tuvo la suerte de ver a la voz cantante de los extintos Ronaldos interpretar el (casi himno) Pedro Navaja de Rubén Blades, canción que Malla presentó como anticipo al homenaje que le hará a Blades desde el 4 hasta el 10 de junio en el Café Central de Madrid.

Por otra parte, la marchosa She’s my baby o la famosa versión de No puedo vivir sin ti, que fue escogida hace un par de años por una conocida empresa de muebles de diseño sueco, aportaron el disfrute complementario -y necesario- a los momentos más introspectivos y cercanos, como cuando el cantante dejaba atrás el micro y se acercaba al borde del escenario para cantar a capella, sin más barrera que el aire que lo separaba de las primeras filas de butacas.

Tal fue mi sorpresa ante lo que ofreció Coque Malla el sábado, que me atrevo a sentenciar que, si las sensaciones pudieran medirse o cuantificarse, no me cabe duda de que podríamos afirmar que todos los asistentes disfrutamos de una regresión colectiva a la década de los ochenta que justificó lo evidente: alguien como Coque Malla, que lleva en la música desde que tenía quince años, sobrevive a cualquier época y moda sin perder su estilo.

Por Sandro Maciá.

Dicen que la primavera es alegre, bonita, colorida… Que es la estación que antecede al verano. Que las chicas empiezan a enseñar las piernas y los chicos ya podemos colgar las camisas para ir un poco menos “encorsetados”. Que con ella llega el momento del desenfado y de las tardes largas –al sol o a la sombra-. En definitiva, que estar triste en esta época del año debe ser, cuanto menos, una muestra de chulería hacia la vida y el mundo, ¿no?

Bueno, pues si es así, me autocalifico desde ahora como el hombre más chulo del planeta, como aquel valiente que se atrevió a confesar tal día como hoy, en plena primavera, que estar triste durante los meses en los que se abren las flores y cantan los pájaros es posible. Y no es que sea yo de ésos que siguen un estilo de vida basado en las tradiciones góticas o en la eterna búsqueda de la decadencia como forma de autorrealización. No, lo que me entristece es algo tan simple como que mis futuros hijos ya no comprarán nunca un disco de Deluxe, que ya no irán a un concierto del gallego y su banda o que ya no sabrán de qué les hablo cuando les cuente todo lo relativo al éxito de temas como Que No o If Things Were to Go Wrong.

Ellos -mis supuestos futuros hijos-, ni se molestarán en investigar y conocer que el cantautor de A Coruña que nos presentó Atlántico (Esmerarte, 2012) la semana pasada bajo el nombre -ahora real- de Xoel López llenaba salas de conciertos cuando se hacía llamar Deluxe y cuando presentaba las canciones de sus laureados Los jóvenes mueren antes de tiempo (2005, Mushroom Pillow) o Reconstrucción (2008, Mushroom Pillow), dos de sus múltiples trabajos.

Ahora, mostrándose al público con el nombre que le vio nacer, Xoel nos presenta en Atlántico una colección de temas vitalistas pero sencillos que nos permiten soportar la pena de perder un grande del pop y nos descubren a un poeta, a un escritor que se había refugiado en arreglos elaborados y letras en inglés para sorprender, justo ahora, con un disco que se aproxima al estilo de grupos como Vetusta Morla -en lo que a versos se refiere- o al de Amaral -entendida la comparación en términos de contundencia y producción-.

Si su single Tierra sirve de suave transición entre el estilo poético actual y el pop enérgico de sus primeros trabajos, canciones como Caballero o Joven Poeta remarcan el cambio y nos muestran que este artista no se ha querido conformar con el registro que le dio la fama sino que está en constante evolución, cosa que, aunque a veces nos haga añorar sus etapas anteriores, nos hace mantener esa ilusión por lo desconocido, esa incertidumbre de no saber con qué nos sorprenderá próximamente. ¿O ya nadie recuerda cuando, en pleno éxito de Deluxe, el señor López decidió embarcarse en un proyecto como La Caravana Americana?

En fin, que por mucha pena que nos de, con Atlántico se confirma que ha llegado el momento de decirle adiós al popero Deluxe para saludar al poeta Xoel López. Una despedida agridulce pero, siendo sensatos, necesaria.