Por Vanessa Díez.

Una mujer con título que siempre se ha mezclado con la gente, ya fuera bailando sevillanas o en círculos artísticos. Picasso quiso recrearla como La maja desnuda; pero su marido Luis Martínez de Irujo lo impidió. Como cuenta la leyenda Goya pintó en aquel cuadro a una antepasada de la duquesa. Pintada por Zuloaga, esculpida por Mariano Benlliure o fotografiada por Cecil Beaton y Richard Avedon. A sus 85 años sigue interesada por el mundo del arte y asistiendo a actos sociales. La exposición “Cayetana de Alba, la duquesa Pop” se ha inaugurado con su asistencia. Ha valido la pena que la organización ajustara los tiempos a su agenda, retrasando el evento dos meses. En Cáceres ya ha llegado el VIII Festival Cáceres Pop Art (Expoparty-Caceres-2012). Una treintena de artistas a través de distintas discilplinas como pintura, collage, fotografía, escultura, cómic, ilustración o performance dan su visión de Cayetana como icono pop art. En cada edición se elige un personaje conocido de la vida social y política para recrearlo como icono pop, en la anterior fue Belén Esteban. La duquesa del pueblo captó la atención de flashes y móviles, la gente quería estar en su presencia. Quiso conocer a los artistas, escucharles hablando de su obra y también dedicó tiempo a visualizarlas una a una. La podrán ver al más puro estilo Klimt, versionada junto a su marido como “El Matrimonio Arnolfini “ de Van Eyck, en un cartel de cine al estilo Julia Roberts como ‘Duquesa a la fuga’, como portada de Hola, Alba como laca o como conservas, al estilo Andy Warhol o como si fuera un pavo real. Los autores han derrochado color y creatividad, el pop art da mucho juego. Se tomó con buen humor las visiones más cómicas sobre su imagen, como una de las piezas que era una escultura de un perrito (Marcé Solís) u otra en que aparece como personaje de Bob Esponja (Fermín Solís). La exposición le pareció divertida y disfrutó su homenaje. Se llevó dos obras: ‘La dogquesa’, la escultura de la perrita de Marce Solís y ‘El matrimonio Arnolfini’, fotomontaje de Elisa Blázquez al estilo Jan Van Eyck. Entre los culpables de estas frescas creaciones están María Nieves Martín, Alberto Romero, Abigail Narváez, Ángel Esteban, Gloria Morán Mayo, Domingo Vera, Fermín Solís, Eva Granados, Manuel de la Osa, Paz López San Juan, Marcé Solís, Nacho Lobato, Mar Gallego, entre otros. Hasta el 8 de febrero podrán disfrutarla. Quien quiera podrá llevársela a casa a partir de seiscientos euros.

Documentándome para este artículo acabé encontrando el espacio de la pintora Gloria Morán Mayo, una de las artistas participante en la exposición, su obra es “La sonrisa de la Duquesa”, la versiona al estilo Klimt con color y estampados de fondo. En su espacio comparte imágenes sobre la inauguración, además de comentarios. Interesante.

La autora de “La sonrisa de la Duquesa” ha cedido la imagen que ponemos en este artículo a Letras en vena para su utilización, la que circula es de la obra todavía inacabada.

Por Vanessa Díez.

El poeta Paul Valery solía decir de ella que “vivía su pintura” y “pintaba su propia vida”. Su pintura era “el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo”. Fue una de las fundadoras del grupo independiente Sociedad Anónima (cooperativa) de Artistas -pintores, escultores, grabadores- que acabó siendo el Movimiento Impresionista y la única, junto con Camille Pissarro, que tuvo cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Sin embargo, al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemont, Morisot fue relegada a la categoría de “artista femenina”. En vida tuvo buenas críticas y una cotización notable, con frecuencia superiores a las de sus colegas, algunos autores aún reconociendo la relevancia de su obra han dedicado más interés a su vida personal que al análisis pictórico de su obra. Tras su prematura muerte a los 54 años fue olvidada. Por suerte en los últimos años existe un interés serio por el análisis de esta notable figura del arte del siglo XIX. Sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares. Ahora se restituye su memoria en nuestro país por primera vez, cumplidos los 171 años de su nacimiento, gracias a la exposición Berthe Morisot: La pintora impresionista que le dedica el Museo Thyssen (hasta el 12 de febrero), llegan desde el Museé Marmottan Monet de París la mayor parte de los 30 cuadros de la colección, una muestra de las 860 obras que creó a lo largo de su vida.

Las mujeres eran relegadas a “artistas femeninas”, tratando la inmediatez en temas de la vida cotidiana en el hogar como escenas de mujeres y niños en sus trabajos, el mundo masculino estaba prohibido. Así Paloma Alarcó, la Comisaria de la exposición afirma que “Tuvo que empezar a formarse artísticamente copiando, como copista en el Museo del Lovre, porque la academia de Bellas Artes estaba completamente cerrada a las mujeres en aquella época”. Su familia la apoyó para pintar y Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, la aceptó como discípula, introduciéndola en el ambiente artístico. Pero “donde ella se encuentra como pintora es en el entorno de Manet, le pide posar para él en el gran cuadro de retrato colectivo El Balcón, se sentía francamente atraído por ella y la respetaba como artista”, afirma Paloma Alarcó. Aunque acabó no como mujer de Édouard Manet, sino como cuñada, pero le sirvió de modelo en varios retratos. Ella diría: “He encontrado un hombre bueno y honesto que, creo, me quiere de verdad. Estoy viviendo la vida positivamente, después de años de fantasía”. Eugène Manet fue un apoyo a su carrera, animándola a pintar y exponer. Tuvieron una niña, Julie, que se convertiría en uno de sus temas favoritos. Murió de neumonía, la cual cogió mientras amamantaba a su hija tras acabar de reponerse de otra enfermedad. Julie tras la muerte de su madre se encargó de promover su obra. Está enterrada en París, junto a su marido y Édouard Manet.

Por Vanessa Díez.

“Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones [...] Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España“. Es parte de la Elegía a María Blanchard de Lorca en la que nos habla de sus problemas físicos, los cuales marcaron su vida con dolor y vergüenza. Por una caída de su madre durante el embarazo nació con una deformidad. Era jorobada, coja, enana y miope.

Su formación fue de Madrid a París. Superó el academicismo, acercándose a la estética fauvista y practicando el cubismo emergente en aquella época. Paris significó la libertad. Tuvo una época cubista, aunque nunca abandonó el figurativismo, aún después de superar tal época se encuentran influencias en la composición. Conoció a pintores como Diego Ribera o Juan Gris. Tras su primera época en París regresó, dedicándose a la enseñanza. Las burlas de sus alumnos por su aspecto físico le hicieron abandonar. Regresaría a París definitivamente. En el retrato que la pintora sueca Tora Vega Holmström le hizo en 1921 observamos una mujer ausente, realmente encontró consuelo en la soledad y el aislamiento de la sociedad que tanto daño le hizo.

La enfermedad, el abandono físico, los problemas económicos y la sobrecarga familiar aceleran su final. En L´Intransigeant aparecería: “La artista española, ha muerto anoche, después de una dolorosa enfermedad. El sitio que ocupaba en el arte contemporáneo era preponderante. Su arte, poderoso, hecho de misticismo y de un amor apasionado por la profesión, quedará como uno de los auténticos artistas y más significativos de nuestra época. Su vida de reclusa y enferma, había por otro lado contribuido a desarrollar y a agudizar singularmente una de las más bellas inteligencias de ese tiempo“. No olvidemos que formó parte de exposiciones en París, Bruselas o Londres, aunque fuese olvidada en sus raíces. Murió de tuberculosis a los 51 años.

Por Vanessa Díez.

El primer trabajo que descubrí de ella fue Autorretrato en mi sexto aniversario de boda en el que la observamos medio desnuda y en una pose ante el espejo que las mujeres suelen utilizar para admirar su próxima maternidad con dulzura, ya que acoge su vientre entre sus brazos a su cobijo. Me pareció un tema renovador en su época, ya que la mujer sólo pintaba temas de la intimidad del hogar y aquello era dar un paso más hacia los temas clásicos como el desnudo femenino pero con un toque femenino real, una perspectiva no contemplada con anterioridad, sólo una mujer puede pintar sobre la maternidad, sobre su espera, sobre el dolor de su ausencia o sobre su placer. En el caso de Paula es el ansia por alcanzarla lo que la mueve como en Frida, aunque al fin le costase la vida.

Fue pionera de la corriente expresionista germana, se empezó a manifestar a partir de 1905 con la actividad del grupo Die Brücke o El Puente en Dresde, dos años antes de su muerte (1907). Ella, presentada al escultor Rodin a través de un escueto billete mencionando su condición de esposa del famoso pintor Otto Modersohn, fue prácticamente ignorada por el escultor francés, no es de extrañar pues el mismo se había acabado alejando de su ayudante y amante Camille Claudel, dejando que su genio escultórico se perdiera en una institución mental.

Fue una de las introductoras de motivos primitivos en el arte alemán de inicios del siglo XX, como Gauguin que según la historiadora del arte Christa Murken Altrogge, Paula Modersohn-Becker fue la primera artista alemana que percibió el talento revolucionario de este pintor. Recordando el autorretrato anterior podemos ver la desnudez de sus senos, el collar de bolas y el tipo de falda que nos muestra nos recuerda a los signos que identifican a las tribus indígenas como pintó él.

Afirman que en su pintura se mezcla el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. Aunque murió a los treinta y un años realizó setecientos cincuenta lienzos, trece estampas y cerca de un millar de dibujos. La fuerza expresiva de su obra transgredió los límites del arte en la sociedad que la rodeaba, siendo incomprendida, por ello encontró en París su camino. Estuvo antologada por los nazis en la secuencia de exposiciones Arte Degenerado, como en la precedente a la de Munich en 1937, sin existir un cambio hacia ella por la postvanguardia.

En el décimo aniversario de su muerte se publicó Un artista: Paula Becker-Modersohn – Cartas y Diario, un extracto de sus cartas y su diario. El museo Paula Modersohn-Becker está en Bremen desde 1927, donde se expone una selección de las mejores obras de la artista, que se pudo ampliar a partir de 1978 por la contribución de la Fundación Paula Modersohn-Becker.

Por Vanessa Díez.

Lo interesante de esta ciudad es que en cada rincón supura cultura. Puedes encontrar en una misma noche una presentación de un libro y una exposición de pintura casi sin proponértelo, mientras tomas un té bien caliente para descongestionar los miembros ante esta fría humedad. Descubrir gente, sin más. Que me sorprendan sus imaginarios para poder nutrir mi alma en algún punto. Es lo interesante de la creación en esta era de lo visual. La palabra y la imagen pueden sobrevivir, lo hacen, no se restan, se suman. Nos decían que era la palabra la que ancla la imagen, pero si la imagen impacta no se necesitan palabras, sobrevive sola en esta vorágine.

Podéis disfrutar de la Exposición de pintura y técnicas mixtas de Fernando Martínez (Rayos X) en Tetería Mantis (Elche), arropados por la música y el sitio. Todavía estará un par de meses, pues se inauguró el 1 de diciembre, eso me aseguraron. Autor que abusa del color, mis favoritos, dejándonos disfrutar de imágenes que impactan al espectador, todo entra por los ojos, al mismo tiempo que perfeccionista en la línea. La era del consumo siempre ha ofrecido retroalimentación a través de sus símbolos, como ya nos enseñaba Antonio de Felipe. La música (pop, rock, country, jazz) o el cine siempre nos han dejado iconos a través de las décadas. El artista los une, los mezcla y los reinventa para conseguir que nos alcance su obra. Os llevaríais a casa a Audrey o Marylin por 400 euros cada una, para estas noches de solitario invierno.

Por Vanessa Díez. 

Estar a la sombra de otro cuando también se crea no es fácil. Nicole Kidman no ha sido la única que estuvo en la sombra por culpa de su marido, relegada a un segundo plano como artista, sin recibir los aplausos del público. A Sonia Delaunay también le pasó. Hasta que no murió su marido no empezó a ser reconocida, ya que a ella no se le consideraba creadora al aplicar su obra para la moda y la publicidad. Realmente un creativo publicitario no es artista, pero son muchos los artistas que por necesidad acaban trabajando en la publicidad sin tener que avergonzarse por ello. Aplicando su potencial creativo a las exigencias del briefieng. Si Chéret, Toulouse-Lautrec o Mucha pudieron los demás también. La retroalimentación creativa artística con el medio publicitario siempre ha sido buena, pero después esta sociedad le pide al artista que cree por instinto propio aquello que tiene en su interior y que le atormenta para ofrecerlo como producto en exposiciones itinerantes.

En silencio, los Delaunay inventan un arte de puro color. Nos encontramos ante un arte totalmente nuevo en referencia a la pintura de hoy en día, como lo es la música a la literatura. Será pura pintura (Apollinaire 1912). Cuando dos artistas comparten su arte y su vida es inevitable que se influyan mutuamente. Crearán estilos y obras similares que en algún momento avanzarán hacia algo propio e individual. Así compartieron el cubismo y el orfismo. Sus círculos de colores estridentes revolucionaron el arte y la industria.

Vivieron un tiempo por estas tierras (estuvieron en la península de 1914 a 1921), influyendo la luz en su obra. En el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid existe obra de ambos. Además realizaron una de las primeras exposiciones en la que se situaba a los dos en el mismo umbral de la creación con una retrospectiva sobre su obra, demostrando su contribución a la pintura moderna.

Para un artista el reconocimiento normalmente no llega en vida, suelen ser los herederos los que se nutren de los beneficios de la obra a lo largo de los años. Pero de vez en cuando existen excepciones que nutren el alma creativa. Así fue la primera mujer que vio en vida sus obras expuestas en el Louvre al recibir el Museo Nacional de Arte Moderno de París una donación de 58 obras suyas en 1964. Además en 1975 le dieron la Legión de Honor, la más conocida e importante de las condecoraciones francesas que se concede tanto a hombres como a mujeres por méritos extraordinarios. Murió cuatro años después.