Por Vanessa Díez.

A veces una se pregunta si tras pasar la barrera de los 30 no será demasiado tarde para algunas cosas, para los proyectos creativos de los que pueden cambiar la vida. Entonces te das de bruces con Anna Mary Robertson Moses (Grandma Moses), una artista naif estadounidense que a los 70 comenzó a pintar paisajes y granjas. Sin pensarlo ella si cambió su vida, gracias a una serie de casualidades o quizá fuera parte de lo que el destino le ofrecía como recompensa tras todo su sufrimiento y dura lucha. Hija y mujer de peón de granja. Vida dura y diez hijos, cinco murieron demasiado pronto, como era costumbre y normal en la época. Consiguió su propia granja y vendía sus bordados. A los 70 la artritis le hizo cambiar de actividad, así comenzó en la pintura.

“La chica de pelo blanco que pasó, a la maravillosa edad de 80 años, de su siembra de fresas a pintar la campiña norteamericana”. Así la presentaba la tienda Gimbel’s en 1940. Las técnicas sobre proporción y detalles aprendidas en los bordados las aplicó a la pintura. Comenzó a vender los cuadros en supermercados por pocos dólares; pero llegarían a cotizarse sobre los 60.000 $.El coleccionista Louis Caldor los descubrió en 1938, consiguiendo incluir algunos en una exposición de artistas autodidactas en el Museo de Arte Moderno (MOMA), y logró que Otto Kallir fuera el representante de la pintora. Un año después Otto Kallir expuso parte de los cuadros en la Galería Saint-Etienne. Fue el comienzo de una fulgurante carrera. Empezó a ser conocida en Europa y Japón, donde su detallismo y definición de trazo son comprendidos al formar parte de su técnica artística. La abuela Moses pintó sobre todo las escenas de vida rural, los paisajes de su vida cotidiana. La demanda de sus obras no se redujo durante su vida, ya que a parte de los coleccionistas sus pinturas fueron utilizadas en campañas publicitarias para las tarjetas Hallmark o para el brillo de labios Primitive Red by Du Barry cosméticos.

En 1952 publicó su autobiografía Grandma Moses: My Life’s History (Abuela Moses: La hitoria de mi vida). Su obra “Fourth of July” (Cuatro de Julio) pintada en honor al Presidente Eisenhower, todavía cuelga en la Casa Blanca. En su 100 cumpleaños (7 de septiembre de 1960) el gobernador de Nueva York, Nelson Rockefeller, proclamó el Grandma Moses Day en su honor. Moriría un año después con 101 años. El Museo Bennington en Estados Unidos conserva la mayor parte de su obra e incluso la mesa reclinable que usaba como caballete.

Cuando hablaron de ella en Vidas contadas.

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Por Eduardo Boix.

Ha muerto Tapies y se ha ido uno de los mas grandes artistas y teóricos del arte más importantes de nuestra historia. Me ha costado mucho ponerme delante del papel en blanco para en un artículo hablar de este grande. Es difícil resumir en unas cuantas palabras la inmensidad de una de las mentes más brillantes y es un dolor muy grande para el mundo de la cultura dentro y fuera de nuestra fronteras.

Tapies era hijo del abogado Josep Tàpies i Mestres y de Maria Puig i Guerra. Compaginó sus estudios de derecho en la Universidad de Barcelona, que había iniciado en 1943, con su pasión por el arte. Finalmente se decantó por la pintura y abandonó los estudios en 1946. De formación autodidacta, tan sólo estudió brevemente en la Academia de Nolasc Valls. Su primer estudio de pintura lo instaló en Barcelona en 1946. En 1948 fue uno de los fundadores de la revista y del movimiento conocidos como Dau al Set, relacionados con el surrealismo y el dadaísmo. El líder de este movimiento fue el poeta catalán Joan Brossa y, junto a Tàpies, figuraron Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig y posteriormente Juan Eduardo Cirlot. La revista perduró hasta 1956, pero Tàpies había marchado a París en 1950 y se había alejado del grupo aunque siguiera colaborando esporádicamente en la publicación. Las primeras obras de Tàpies se enmarcaron dentro del surrealismo, pero a partir de aquel alejamiento cambió de estilo, convirtiéndose en uno de los principales exponentes del informalismo. Representante de la llamada “pintura matérica”, Tàpies utilizaba para sus obras materiales que no están considerados como artísticos, sino más bien de reciclaje o de desecho, como pueden ser cuerdas, papel o polvo de mármol.

De formación prácticamente autodidacta en el terreno artístico, Tàpies fue sin embargo un hombre de gran cultura, amante de la filosofía (Nietzsche), la literatura (Dostoyevski) y la música (Wagner). Fue un gran defensor de la cultura catalana, de la que estaba profundamente imbuido: era un gran admirador del escritor místico Ramon Llull (del que realizó un libro de grabados entre 1973 y 1985), así como del Románico catalán y la arquitectura modernista de Antoni Gaudí.22 A la vez, era un admirador del arte y la filosofía orientales, que como Tàpies diluyen la frontera entre materia y espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, mostró en su obra cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es algo inherente a la vida.

Dau al Set fue un movimiento influido principalmente por el dadaísmo y el surrealismo, pero que también se nutrió de múltiples fuentes literarias, filosóficas y musicales: redescubrieron al místico mallorquín Ramon Llull, a la música de Wagner, Schönberg y el jazz, a la obra artística de Gaudí y literaria de Poe y Mallarmé, a la filosofía de Nietzsche y el existencialismo alemán, a la psicología de Freud y Jung, etc. Su pintura era figurativa, con un marcado componente mágico-fantástico, así como un carácter metafísico, de preocupación por el destino del hombre.

Tras su paso por Dau al Set, en 1951 comenzó una fase de abstracción geométrica, pasando en 1953 al informalismo: en 1951 viajó a París, donde conoció las nuevas corrientes europeas, así como las nuevas técnicas pictóricas (dripping, grattage, etc.); aquí contactó con artistas informalistas como Jean Fautrier o Jean Dubuffet. El informalismo fue un movimiento surgido tras la Segunda Guerra Mundial, que muestra la huella dejada por el conflicto bélico en una concepción pesimista del hombre, influenciada por la filosofía existencialista. Artísticamente, los orígenes del informalismo se pueden rastrear en la abstracción de Kandinsky o en los experimentos realizados con diversos materiales por el dadaísmo. El informalismo busca además la interrelación con el espectador, dentro del concepto de “obra abierta” expresado por el teórico italiano Umberto Eco.

Si extendiera más este artículo escribiría una obra entera. 88 años dan para mucho y es que este genio tímido era enorme. Es una lástima que se nos mueran los genios, ya que estamos faltos de ellos. En esta sociedad donde prima la mediocridad cuando se va alguien que brilla tanto se nota y mucho la pérdida. Solo nos queda despedirnos. Adeu mestre.

Por Vanessa Díez.

Una mujer con título que siempre se ha mezclado con la gente, ya fuera bailando sevillanas o en círculos artísticos. Picasso quiso recrearla como La maja desnuda; pero su marido Luis Martínez de Irujo lo impidió. Como cuenta la leyenda Goya pintó en aquel cuadro a una antepasada de la duquesa. Pintada por Zuloaga, esculpida por Mariano Benlliure o fotografiada por Cecil Beaton y Richard Avedon. A sus 85 años sigue interesada por el mundo del arte y asistiendo a actos sociales. La exposición “Cayetana de Alba, la duquesa Pop” se ha inaugurado con su asistencia. Ha valido la pena que la organización ajustara los tiempos a su agenda, retrasando el evento dos meses. En Cáceres ya ha llegado el VIII Festival Cáceres Pop Art (Expoparty-Caceres-2012). Una treintena de artistas a través de distintas discilplinas como pintura, collage, fotografía, escultura, cómic, ilustración o performance dan su visión de Cayetana como icono pop art. En cada edición se elige un personaje conocido de la vida social y política para recrearlo como icono pop, en la anterior fue Belén Esteban. La duquesa del pueblo captó la atención de flashes y móviles, la gente quería estar en su presencia. Quiso conocer a los artistas, escucharles hablando de su obra y también dedicó tiempo a visualizarlas una a una. La podrán ver al más puro estilo Klimt, versionada junto a su marido como “El Matrimonio Arnolfini “ de Van Eyck, en un cartel de cine al estilo Julia Roberts como ‘Duquesa a la fuga’, como portada de Hola, Alba como laca o como conservas, al estilo Andy Warhol o como si fuera un pavo real. Los autores han derrochado color y creatividad, el pop art da mucho juego. Se tomó con buen humor las visiones más cómicas sobre su imagen, como una de las piezas que era una escultura de un perrito (Marcé Solís) u otra en que aparece como personaje de Bob Esponja (Fermín Solís). La exposición le pareció divertida y disfrutó su homenaje. Se llevó dos obras: ‘La dogquesa’, la escultura de la perrita de Marce Solís y ‘El matrimonio Arnolfini’, fotomontaje de Elisa Blázquez al estilo Jan Van Eyck. Entre los culpables de estas frescas creaciones están María Nieves Martín, Alberto Romero, Abigail Narváez, Ángel Esteban, Gloria Morán Mayo, Domingo Vera, Fermín Solís, Eva Granados, Manuel de la Osa, Paz López San Juan, Marcé Solís, Nacho Lobato, Mar Gallego, entre otros. Hasta el 8 de febrero podrán disfrutarla. Quien quiera podrá llevársela a casa a partir de seiscientos euros.

Documentándome para este artículo acabé encontrando el espacio de la pintora Gloria Morán Mayo, una de las artistas participante en la exposición, su obra es “La sonrisa de la Duquesa”, la versiona al estilo Klimt con color y estampados de fondo. En su espacio comparte imágenes sobre la inauguración, además de comentarios. Interesante.

La autora de “La sonrisa de la Duquesa” ha cedido la imagen que ponemos en este artículo a Letras en vena para su utilización, la que circula es de la obra todavía inacabada.

Por Vanessa Díez.

El poeta Paul Valery solía decir de ella que “vivía su pintura” y “pintaba su propia vida”. Su pintura era “el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo”. Fue una de las fundadoras del grupo independiente Sociedad Anónima (cooperativa) de Artistas -pintores, escultores, grabadores- que acabó siendo el Movimiento Impresionista y la única, junto con Camille Pissarro, que tuvo cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Sin embargo, al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemont, Morisot fue relegada a la categoría de “artista femenina”. En vida tuvo buenas críticas y una cotización notable, con frecuencia superiores a las de sus colegas, algunos autores aún reconociendo la relevancia de su obra han dedicado más interés a su vida personal que al análisis pictórico de su obra. Tras su prematura muerte a los 54 años fue olvidada. Por suerte en los últimos años existe un interés serio por el análisis de esta notable figura del arte del siglo XIX. Sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares. Ahora se restituye su memoria en nuestro país por primera vez, cumplidos los 171 años de su nacimiento, gracias a la exposición Berthe Morisot: La pintora impresionista que le dedica el Museo Thyssen (hasta el 12 de febrero), llegan desde el Museé Marmottan Monet de París la mayor parte de los 30 cuadros de la colección, una muestra de las 860 obras que creó a lo largo de su vida.

Las mujeres eran relegadas a “artistas femeninas”, tratando la inmediatez en temas de la vida cotidiana en el hogar como escenas de mujeres y niños en sus trabajos, el mundo masculino estaba prohibido. Así Paloma Alarcó, la Comisaria de la exposición afirma que “Tuvo que empezar a formarse artísticamente copiando, como copista en el Museo del Lovre, porque la academia de Bellas Artes estaba completamente cerrada a las mujeres en aquella época”. Su familia la apoyó para pintar y Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, la aceptó como discípula, introduciéndola en el ambiente artístico. Pero “donde ella se encuentra como pintora es en el entorno de Manet, le pide posar para él en el gran cuadro de retrato colectivo El Balcón, se sentía francamente atraído por ella y la respetaba como artista”, afirma Paloma Alarcó. Aunque acabó no como mujer de Édouard Manet, sino como cuñada, pero le sirvió de modelo en varios retratos. Ella diría: “He encontrado un hombre bueno y honesto que, creo, me quiere de verdad. Estoy viviendo la vida positivamente, después de años de fantasía”. Eugène Manet fue un apoyo a su carrera, animándola a pintar y exponer. Tuvieron una niña, Julie, que se convertiría en uno de sus temas favoritos. Murió de neumonía, la cual cogió mientras amamantaba a su hija tras acabar de reponerse de otra enfermedad. Julie tras la muerte de su madre se encargó de promover su obra. Está enterrada en París, junto a su marido y Édouard Manet.

Por Vanessa Díez.

“Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones [...] Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España“. Es parte de la Elegía a María Blanchard de Lorca en la que nos habla de sus problemas físicos, los cuales marcaron su vida con dolor y vergüenza. Por una caída de su madre durante el embarazo nació con una deformidad. Era jorobada, coja, enana y miope.

Su formación fue de Madrid a París. Superó el academicismo, acercándose a la estética fauvista y practicando el cubismo emergente en aquella época. Paris significó la libertad. Tuvo una época cubista, aunque nunca abandonó el figurativismo, aún después de superar tal época se encuentran influencias en la composición. Conoció a pintores como Diego Ribera o Juan Gris. Tras su primera época en París regresó, dedicándose a la enseñanza. Las burlas de sus alumnos por su aspecto físico le hicieron abandonar. Regresaría a París definitivamente. En el retrato que la pintora sueca Tora Vega Holmström le hizo en 1921 observamos una mujer ausente, realmente encontró consuelo en la soledad y el aislamiento de la sociedad que tanto daño le hizo.

La enfermedad, el abandono físico, los problemas económicos y la sobrecarga familiar aceleran su final. En L´Intransigeant aparecería: “La artista española, ha muerto anoche, después de una dolorosa enfermedad. El sitio que ocupaba en el arte contemporáneo era preponderante. Su arte, poderoso, hecho de misticismo y de un amor apasionado por la profesión, quedará como uno de los auténticos artistas y más significativos de nuestra época. Su vida de reclusa y enferma, había por otro lado contribuido a desarrollar y a agudizar singularmente una de las más bellas inteligencias de ese tiempo“. No olvidemos que formó parte de exposiciones en París, Bruselas o Londres, aunque fuese olvidada en sus raíces. Murió de tuberculosis a los 51 años.

Por Vanessa Díez.

El primer trabajo que descubrí de ella fue Autorretrato en mi sexto aniversario de boda en el que la observamos medio desnuda y en una pose ante el espejo que las mujeres suelen utilizar para admirar su próxima maternidad con dulzura, ya que acoge su vientre entre sus brazos a su cobijo. Me pareció un tema renovador en su época, ya que la mujer sólo pintaba temas de la intimidad del hogar y aquello era dar un paso más hacia los temas clásicos como el desnudo femenino pero con un toque femenino real, una perspectiva no contemplada con anterioridad, sólo una mujer puede pintar sobre la maternidad, sobre su espera, sobre el dolor de su ausencia o sobre su placer. En el caso de Paula es el ansia por alcanzarla lo que la mueve como en Frida, aunque al fin le costase la vida.

Fue pionera de la corriente expresionista germana, se empezó a manifestar a partir de 1905 con la actividad del grupo Die Brücke o El Puente en Dresde, dos años antes de su muerte (1907). Ella, presentada al escultor Rodin a través de un escueto billete mencionando su condición de esposa del famoso pintor Otto Modersohn, fue prácticamente ignorada por el escultor francés, no es de extrañar pues el mismo se había acabado alejando de su ayudante y amante Camille Claudel, dejando que su genio escultórico se perdiera en una institución mental.

Fue una de las introductoras de motivos primitivos en el arte alemán de inicios del siglo XX, como Gauguin que según la historiadora del arte Christa Murken Altrogge, Paula Modersohn-Becker fue la primera artista alemana que percibió el talento revolucionario de este pintor. Recordando el autorretrato anterior podemos ver la desnudez de sus senos, el collar de bolas y el tipo de falda que nos muestra nos recuerda a los signos que identifican a las tribus indígenas como pintó él.

Afirman que en su pintura se mezcla el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. Aunque murió a los treinta y un años realizó setecientos cincuenta lienzos, trece estampas y cerca de un millar de dibujos. La fuerza expresiva de su obra transgredió los límites del arte en la sociedad que la rodeaba, siendo incomprendida, por ello encontró en París su camino. Estuvo antologada por los nazis en la secuencia de exposiciones Arte Degenerado, como en la precedente a la de Munich en 1937, sin existir un cambio hacia ella por la postvanguardia.

En el décimo aniversario de su muerte se publicó Un artista: Paula Becker-Modersohn – Cartas y Diario, un extracto de sus cartas y su diario. El museo Paula Modersohn-Becker está en Bremen desde 1927, donde se expone una selección de las mejores obras de la artista, que se pudo ampliar a partir de 1978 por la contribución de la Fundación Paula Modersohn-Becker.

Por Vanessa Díez.

Lo interesante de esta ciudad es que en cada rincón supura cultura. Puedes encontrar en una misma noche una presentación de un libro y una exposición de pintura casi sin proponértelo, mientras tomas un té bien caliente para descongestionar los miembros ante esta fría humedad. Descubrir gente, sin más. Que me sorprendan sus imaginarios para poder nutrir mi alma en algún punto. Es lo interesante de la creación en esta era de lo visual. La palabra y la imagen pueden sobrevivir, lo hacen, no se restan, se suman. Nos decían que era la palabra la que ancla la imagen, pero si la imagen impacta no se necesitan palabras, sobrevive sola en esta vorágine.

Podéis disfrutar de la Exposición de pintura y técnicas mixtas de Fernando Martínez (Rayos X) en Tetería Mantis (Elche), arropados por la música y el sitio. Todavía estará un par de meses, pues se inauguró el 1 de diciembre, eso me aseguraron. Autor que abusa del color, mis favoritos, dejándonos disfrutar de imágenes que impactan al espectador, todo entra por los ojos, al mismo tiempo que perfeccionista en la línea. La era del consumo siempre ha ofrecido retroalimentación a través de sus símbolos, como ya nos enseñaba Antonio de Felipe. La música (pop, rock, country, jazz) o el cine siempre nos han dejado iconos a través de las décadas. El artista los une, los mezcla y los reinventa para conseguir que nos alcance su obra. Os llevaríais a casa a Audrey o Marylin por 400 euros cada una, para estas noches de solitario invierno.