Por Vanessa Díez.

Silvia Abascal reapareció recuperada sobre la alfombra roja de los Goya. Le brillaban los ojos. “Estoy bien, emocionada de estar aquí hoy. Esto significa más que venir a los Goya“, decía. “El mayor premio es el amor de tu gente. Ese es el Goya”. Ante las preguntas de los periodistas respondía pacientemente y posaba radiante, elegante como siempre con un vestido en tono rosa palo. Silvia Abascal sufrió un ictus cerebral en abril durante la cena de clausura del Festival de Málaga, del que tuvo que ser inmediatamente operada en el hospital Carlos Haya de la Costa del Sol, por ello su aparición causaba tanta expectación. “Totalmente recuperada no estoy, pero voy muy bien”, confirmaba la actriz. Protagonizó el momento más emocionante y entrañable al entregar el Premio a Mejor actor de reparto. Apareció en el escenario cogida del brazo de Miguel Ángel Silvestre. Mientras se encaminaban hacia el atril los compañeros le aplaudían y varios, como Juanjo Artero, lloraron de emoción al verla. La emoción hizo que las lágrimas fueran protagonistas y continuaran los aplausos ante una Silvia que no podía contener lo que sentía, junto a ella Miguel Ángel la miraba con cariño y le apretaba la mano. Empezó la presentación dando las gracias “Qué alegría estar, poder estar hoy aquí de pie, escuchándome fuerte el corazón, poder miraros a los ojos y poder decir gracias”, desbordando la emoción de los presentes a un lado y otro de la pantalla. Una vez repuesta se armó de valor y como profesional que es afirmó que había que dar un premio.

Según el comunicado, la actriz fue ingresada debido a una “malformación vascular congénita cerebral”. Se encontraba en el Festival de Cine Español de Málaga, en calidad de jurado, cuando comenzó a sentir malestar. Tras la cena empezó a sufrir fuertes dolores de cabeza. Fue entonces cuando perdió el conocimiento e inmediatamente fue trasladada hasta el hospital Carlos Haya de la ciudad andaluza, donde le diagnosticaron un ictus cerebral que requería, según los médicos, una intervención de urgencia. Un ictus en menores de 35 años, como es el caso de la actriz Silvia Abascal de 32 años, suele deberse a una anomalía congénita o una malformación hereditaria, según indicó el coordinador del Grupo de Enfermedades Cerebrovasculares de la Sociedad Española de Neurología (SEN), Jaime Masjuan Vallejo. Por ello, su aparición en los Goya significaba mucho, que su recuperación tras diez meses de lucha sigue paso firme hacia el éxito y que no habrá que renunciar a su talento, pues se la veía radiante, feliz y de pie, como ella decía. El público y los compañeros querían verla y disfrutarla.

La recuerdo en el “Un, dos, tres… haciendo de niña del exorcista, desde entonces me gustaba; ya en Pepa y pepe (1994) siendo adolescente o en A mi madre le gustan las mujeres (2001). Ha compaginado cine y televisión con el teatro con obras como Días de vino y rosas o Historia de una vida, junto a Luisa Martín. Desde los dieciocho años lleva estudiando con Juan Carlos Coraza compaginándolo con estudios de baile español y ballet clásico así como numerosos cursos relacionados con la interpretación aunque le hubiera gustado estudiar una carrera como por ejemplo psicología. La última serie en la que trabajó en 2011 fue Piratas. Esperamos pronto disfrutar de nuevos proyectos.

Por Vanessa Díez.

Fue Glenda Bailey, la editora jefe de Harper’s Bazaar, quién decidió apostar por una nueva portada de su revista con Gwyneth Paltrow vestida con un sexy vestido negro de Yves Saint Laurent. Se la ve cómoda entre bambalinas en la sesión del fotógrafo Terry Richardson, cuenta la experiencia en su blog, un día fuera de su cotidianidad en la que está más centrada en estos últimos tiempos. La edición americana de la revista se rediseña y presenta en marzo su nuevo look. Es agradable ver que se está marcando tendencia en mostrar mujeres maduras, no tan niñas o aniñadas, con un trasfondo de salud, apostando por creer en una misma y no atacar de forma invasiva al rostro y al cuerpo del que se disfruta. Gwyneth asume con naturalidad las arrugas propias de la edad y se ha declarado enemiga del botox. Practica un estilo de vida natural con clases de yoga y dietas macrobióticas. Acude a su dermatóloga, la famosa Vaishaly Patel, para cuidarse con diversos tratamientos, pero no quiere inyectarse la toxina que está tan de moda entre las celebrities, incluso llegando a paralizar parte de algunos rostros. Sólo abusa del sol, aunque su dermatóloga la reprenda.

Fue con Seven de Tracy Mills en 1995 cuando los medios empezaron a fijarse en ella, pues comenzó un romance con su compañero de reparto Brad Pitt que casi culmina en boda, hubo anillo de compromiso por medio y todo. Aquello quedó en nada y ambos siguieron sus vidas. No volvió a acaparar las portadas del papel cuché como en aquellos años, pues desde que se casó con Chris Martin, líder de Coldplay, con quien tiene dos hijos (Apple y Mooses) ha vivido una existencia discreta y por su familia ha bajado su ritmo profesional. Ha mantenido su matrimonio fuera de las cámaras de los paparazis, pero en la entrevista habla sobre su relación, sobre el compromiso, incluso cuando significa dejar que su carrera en un segundo plano como “asiento trasero de la de su marido”. “Tengo niños en la escuela… quiero mantener mi matrimonio y mi familia, así que tengo que estar aquí cuando (Chris) llega a casa”. Está en un buen momento y afronta su relación actual con madurez. “Creo que uno cae dentro y fuera del amor, y simplemente se sigue adelante”. “Y cada vez que pasas por una fase muy difícil, redescubres algo nuevo y mejora. Hemos estado casados por más de ocho años, y todavía estamos juntos.”

Ha asegurado que come lo que quiere. “Me gusta el pan, el queso y el vino, es lo que hace que mi vida sea más divertida y feliz”. Para compensar, Paltrow dedica hora y media cada día a realizar los precisos ejercicios aeróbicos que le marca su entrenador personal, Tracy Anderson. Sin olvidar los periodos de dexintoxicación (alimentaria). En anteriores entrevistas ya dijo que “Trabajé duro para estar así, pero ahora que estoy aquí es genial ya que no tengo que preocuparme de ello. Puedo disfrutar la vida [...] Puedo comer lo que quiera, siempre y cuando haga ejercicio; lo cual es genial porque si pongo la palabra “dieta” en mi cabeza, inmediatamente fracaso”. “Tengo que subir de peso no puedo ser una de esas personas, me volvería loca, me gusta la comida en exceso, me gusta mucho el alcohol, me gusta el helado mucho, no se…. no se puede vivir así. Sería tan profundamente aburrida estar siempre estricta conmigo misma”. Asegura que con cada cumpleaños que pasa, “me hago de mente más abierta y menos crítica conmigo… La vida es larga”.

Sus 20 años, admite, “no eran muy felices”, a pesar de su trayectoria con un Oscar y un Globo de Oro a Mejor Actriz por Shakespeare in Love. Cree que es poco probable que encuentre otro papel como aquel “Yo no creo que vuelva a leer un guión tan bueno otra vez. Tom Stoppard es un genio”. Trabajó en 2011 en la serie Glee y en la película Contagio. Habrá que esperar a 2013 para verla en Iron Man 3.

Por Vanessa Díez.

Ha sido la primera vez que el Goya de Honor se entrega antes de la gala. Todos los nominados en el patio de la Real Casa de Correos de Madrid han aplaudido a la galardonada. Una de las pioneras tras las cámaras de cine, ya que en aquellos años era un oficio sólo para hombres, directora de cine comprometido con su tiempo, de reflexión. Josefina Molina ha recibido el Goya de Honor de manos del presidente y la vicepresidenta de la Academia de Cine, Enrique González Macho y Judith Colell. “Sé que estoy aquí en representación de muchas otras mujeres de mi generación”. Su vocación llegó pronto, tan sólo era una adolescente que dejaba volar su imaginación en las sesiones de los cine clubes. «El Río», de Jean Renoir la alcanzó. «En aquella película, la observación tenía mucha importancia, como el devenir de la vida. Me pareció el arte total: contenía literatura, imagen, música, colores. Todo me impactó tanto que, de repente, me di cuenta que la persona que estaba detrás de la cámara tenía una importancia muy grande». Muchas otras le llegarían al corazón o a la capacidad de reflexión. Conectaría con cineastas como Truffaut, Visconti o los maestros del cine americano.

Como en su Córdoba natal no era posible realizar su sueño emigró a Madrid, allí estudiaría en la Escuela Oficial de Cine, sería la primera mujer que consiguió graduarse en la dictadura (1969). Además estudió Ciencias Políticas, y fundó el Teatro de Ensayo Medea en su ciudad natal, en el que dirigió varios montajes. Una mujer luchadora que trazó un camino sin ver diferencias ya en aquellos años “Me he considerado igual que un hombre. Tenía mis necesidades de autonomía y la libertad económica suficiente para tomar los caminos que eligiera. Una mujer no tiene por qué hacer menos que el hombre. Pero sí tenemos un punto de vista particular que está alimentado por nuestra experiencia vital. En efecto, en mi generación era muy difícil compaginar la vida privada con la profesional”. Para ella detrás de la cámara ninguna mirada es la misma, sea de hombre o mujer, “ni la mirada de todos los hombres es igual, ni la de las mujeres tampoco. A los hombres se les individualiza. Nunca se hablará igual de Almodóvar que de Berlanga. Serán dos individualidades con estilos distintos y una obra personal. A nosotras se nos mete en el cajón de mujeres directoras, como si fuéramos un colectivo que tuviera una uniformidad. Pero no es así. Tenemos nuestras particularidades y cada una ve el mundo a su manera. No puedes comparar a Isabel Coixet con Icíar Bollaín. Son dos estilos distintos”.

Su rodaje daría forma en TVE en programas como Estudio 1. Debutaría con “Vera, un cuento cruel” en 1973. En “Función de noche” contaría con Lola Herrera. En el 77 dirigió la versión para televisión de “El camino” de Miguel Delibes, protagonizada por Amparo Baró. En 1984 realizó “Teresa de Jesús”, la serie sobre la santa de Ávila que protagonizó Concha Velasco. En 1989 dirigió “Esquilache”, basado en la obra de Antonio Buero Vallejo “Un soñador para un pueblo” sobre el gobierno de Carlos III, con Fernando Fernán Gómez, Adolfo Marsillach, Amparo Rivelles o Concha Velasco. “Lo más natural” (1990), con Charo López y Miguel Bosé, y “La Lola se va a los puertos” (1993) con Rocío Jurado y Francisco Rabal no tendrían tanto éxito. Serían sus últimos trabajos. También dirigiría teatro.

En 2006 fundó CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales) junto con otras cineastas como Inés París, Chus Gutiérrez, Icíar Bollaín o Isabel Coixet. Es su presidenta de Honor. Reconoce que el cine es un oficio muy duro y a partir de cierta edad los reflejos y la capacidad no son los mismos. Deja paso al relevo generacional. Mujeres con talento y capacidad de análisis. La curiosidad no se pierde; pero ahora sus intereses son otros.

Por Pedro Serrano.

La voz es la cualidad con la que los humanos nos dirigimos a nuestros semejantes para decirles porque hacemos esto, o porque pensamos que aquel es un gilipollas, aunque tenga cargo de ministro o de portavoz de la leche condensada. La voz es necesaria para expresar lo que sentimos muchas veces, pero la voz tuvo hace años un papel irrelevante en los tiempos en que la magia provenía de un proyector y una pantalla, la voz pasaba a un segundo plano cuando un fundido se abría para dar paso a una historia contada en blanco y negro, donde actores y actrices aparte de guiñarse los ojos e insultarse con todo tipo de tacos, gesticulaban para darse a entender, cosa ilógica si todo sonido era mudo.

Este es o podría ser el punto de partida de The Artist, la película francesa que está enamorando a la crítica, a las productoras, y por supuesto al público, el más entendido de todo esto. La tragicomedia que vive su protagonista en ese tránsito del cine mudo al sonoro, pasando de ser una estrella con luz propia a un satélite abocado al olvido. Desde que se apagan las luces de la sala hasta que te encuentras con otra gran sala de cine en la pantalla con mas glamour, el film no deja de plantearnos la capacidad que tiene el ser humano de sorprendernos solo con su gesto y su mímica, aportando en todo momento planos brillantes y escenas propias de aquellos años, genialmente acompañadas de una banda sonora , puede que en bucle, o puede que no, que nos invita a la emoción en estado puro.

El actor principal con poses de galan made in Lo que el viento se llevó, borda la interpretación en un plano a medio camino entre Ciudadano Kane y Que bello es vivir, pero aquí hay más personajes en juego, un perro salvavidas y unos secundarios soberbios – sorprende como siempre John Goodman – que ayudan a que el argumento sin voz se mantenga firme y en ningún momento pierda el interés de rigor no mortis.

Podría escribir más cosas sobre la película, pero termino aquí recordando a la actriz que encarna el personaje de mujer joven con propósito de triunfo y el plano donde desde el palco de la sala de cine observa al artista dentro y fuera de la pantalla, es aquí donde este tipo que ama el cine entiende que una imagen vale más que mil palabras. Id a verla, mamones.

Por Eduardo Boix.

Los ruidos en el cine o en el teatro me sacan de mis casillas. Me pone de los nervios que algún sonido molesto rompa la magia del espectáculo. Hace unos meses fui testigo de algo así en un cine de barrio de cómo una pareja de maleducados no paraban de abrir y cerrar unas bolsas de papel de una conocida multinacional dedicada a la industria textil. Me indigné pero no se cortaban, ellos seguían abriendo y cerrando bolsas sin parar.

El otro día saltó a los medios de comunicación la siguiente noticia: “Un móvil suena en medio de un concierto de la Filarmónica de Nueva York”. Evidentemente no es un titular nada novedoso, cuando estamos hartos de sufrir esto todos los días. Lo que si convierte este asunto en algo nuevo es que el director de la orquesta Alan Gilbert, que en esos momentos conducía a sus músicos por el último movimiento de la Novena Sinfonía del checo Gustav Mahler, no ocultó su lógica indignación. Gilbert empezó a gesticular mientras al aparato continuaba sonando, hasta que se cansó y ordenó detener el concierto, algo que hasta ahora no había sucedido nunca en los más de 14.000 veces que ha tocado a lo largo de sus 170 años de historia la Filarmónica de Nueva York. Pidió en voz alta al espectador que apagara su móvil.

Aunque el público se sumó al enfado de la orquesta y abucheó a quien había cometido tamaño sacrilegio, el teléfono no dejó de sonar. Desde la primera fila se seguía escuchando el popular tono de llamada “marimba” del iPhone de Apple. Gilbert finalmente bajó del escenario y se dirigió al dueño del teléfono, que sacó el aparato de su bolsillo y lo apagó. “¿Está apagado? ¿Va a volver a sonar?”, preguntó el director al hombre, quien se limitó a asentir con la cabeza, y el concierto se reanudó pocos minutos después entre los aplausos del público del emblemático Avery Fisher Hall del Lincoln Center.

Me parece excesivamente indignante que situaciones así se den cada día. Las nuevas tecnologías se han convertido en una herramienta más de los que van al cine a comer palomitas o a solo pasar el rato. No pretendo ser un moralizante extremo, ni censurar que cada cual tenga o haga lo que quiera. Lo que si pido desde mi humilde posición es que tanto el teatro, el cine y la música, la gente vaya a apreciar una obra de arte que ha costado mucho dinero, tiempo y esfuerzo en realizarla. Porque ¿te gustaría que mientras ejerces tu trabajo te estén metiendo el dedo en el ojo?

Por Vanessa Díez.

Ayer lo decía, ya es un éxito ser una de las candidatas a los Oscar de lengua no inglesa. Se ha enfrentado a  La piel que habito, de Pedro Almodóvar, y La voz dormida, de Benito Zambrano y ha ganado. Es la primera película en catalán que nos representará en los premios hollywoodienses, quizá no sea la última. Ser fiel a la visión creativa propia es un camino arduo y largo, pero también trae recompensas.

Con un presupuesto ajustado y con una distribución discreta a nivel nacional, fue gracias a su triunfo en los Goya cuando captó las miradas de los espectadores y tuvo que ser puesta en algunos cines que ni tan siquiera se habían acordado de ella para su visionado, aunque no fuese en versión original. Las historias con calidad existen, hay que luchar por ellas.

Pa Negre está haciendo su recorrido por festivales internacionales, es el público el que mejor puede juzgar una obra. Si la industria no apuesta, pero lo hacen los espectadores, ya es todo un logro. Nuestro cine goza de buena salud, según nos dicen desde Washington, festival en el que suele haber presencia española, realmente una se plantea si a veces no son los empresarios los que tienen miedo a arriesgarse, el no saber si se va a recuperar la inversión paraliza muchas cosas en todos los sectores, de ahí esta crisis de creatividad a nivel internacional que paraliza el mundo y ahoga a esta cómoda humanidad que pensaba que la era del bienestar era eterna y gratuita. La vida es lucha y nunca termina.

Pa Negre deberá luchar en los Oscar, puede que quede por el camino o puede que no. Depende de tantas cosas que se nos escapan. Ha superado el primer filtro, el propio, y ya es mucho. Será la carta de presentación española para los próximos Oscar. Que críticos americanos vean producto de calidad entre nuestros creadores nos asegura sobrevivir en una ardua industria que sólo se fija en la taquilla y en el marketing. Triste, aunque cierto. Sort Villaronga!