El cine de los 80 tuvo algo de mágico. Un halo de fantasía que no se va a volver a recuperar en la industria cinematográfica. Varias historias donde otros mundos eran los protagonistas. Una de aquellas películas me impactó y hoy sigue vigente esa sensación.

Recuerdo como si de un sueño se tratase el día que mi padre me llevó a un videoclub. Era un mundo en si mismo aquel recinto lleno de cajas con portadas más o menos sugerentes. Yo tenía un título en mi cabeza “La historia interminable” me decepcioné cuando la chica del mostrador le dijo a mi padre que estaba alquilada, pero que tenía otra titulada “Dentro del Laberinto” que seguro que me gustaba igual. Son parecidas dijo con tono de desgana. Y así regresamos a casa con las películas de acción para mi padre, las basadas en hechos reales para mi madre y esa película que no me sonaba nada para mí.

Al llegar cogí la merienda y tras rebobinarla, poca gente las devolvía así, me acomodé en el sofá y empecé a verla. No hace falta decir que me fascinó. La estética, los muñecos de Henson, David Bowie. Era una película totalmente ochentera y poseía la estética propia de los recién nacidos videoclips que tanto me gustaba ver. No podía quitarme de la cabeza el pelo cardado del malo, la música, el caos reinante en ese mundo de Gobblins. Haciendo repaso por las cientos de películas que he visto, puedo afirmar que esta fue la primera en la que el malo me gusta más que la buena. La bella Jennifer Connelly hace un papel demasiado tonto y mojigato, aunque está increíblemente guapa como siempre.

El lunes cuando me tocó ir al colegio, compartí mi fascinación con todos mis compañeros de clase, hasta la profesora fue bombardeada con mis fantasiosas ideas. Dentro del laberinto, según mi opinión, es superior a La historia interminable. Tal vez porque es más oscura, quizá porque la historia, aun siendo fantasiosa es más realista y trata un tema tan universal como la rebeldía juvenil.

Han pasado ya 30 años desde su estreno y sigue siendo tan espectacular como ahora. Sin efectos digitales, Dentro del laberinto, entra dentro de la categoría de joyas del cine fantástico. Entre sus influencias reconocidas Alicia en el País de las Maravillas (Alice’s Adventures in Wonderland) y El mago de Oz, otras historias de la fantasía memorables. Os recomiendo que la reviséis cuando os apetezca ver clásicos. Creo que es una de las obras más increíbles que ha dado el séptimo arte.

Si buscamos en el diccionario de la RAE dos definiciones, muy en boga hoy día, aparece lo siguiente:

fan.

(Del ingl. fan, acort. de fanatic).

1. com. Admirador o seguidor de alguien.

2. com. Entusiasta de algo. Es un fan de la ópera.

ídolo.

(Del lat. idōlum, y este del gr. εἴδωλον).

1. m. Imagen de una deidad objeto de culto.

2. m. Persona o cosa amada o admirada con exaltación.

Esta mañana mientras tomábamos el aperitivo y charlábamos de cosas trascendentales y artísticas, me ha venido a la mente este tema. Vivimos en una cultura Pop y consumista por lo que esta misma forma de ver el mundo ha propiciado esto. En algunas ocasiones puede convertirse en obsesión, pero la mayoría de veces son impulsos controlables. En ningún momento voy a juzgar que cualquiera pueda tener uno u otro ídolo, lo que si voy a intentar es averiguar que buscamos idealizando a la gente.

Todos en mayor o menor medida admiramos a alguien. Un cantante, una estrella de la moda, una actriz, es inevitable que la persona sea mediática ya que para que tenga seguidores, tiene que tener una gran cobertura mediática. Luego hay personajes históricos que en determinados sectores han despertado seguidores, Virginia Woolf, Silvia Plath o Rimbaud pueden ser ejemplos entre los literatos, Dalí, Picasso, entre los pintores, Cartier Bresson, si nos referimos a los fotógrafos. Pero ¿A qué nadie se hace fan de Fleming, Pasteur o Nobel? ¿A que nadie sabe quien fue el científico que descubrió la diabetes, la gripe, la viruela o el tifus? No me imagino a las grupis de estos científicos con la cepa de la viruela pintada con rotulador en la frente, no visualizo sus habitaciones repletas de retratos de estos maestros de la ciencia.

Cada vez más en la sociedad que nos ha tocado vivir, llegamos a idealizar lo idealizable. Personas que realmente son fruto de una canción y del azar, o simplemente una cara bonita que se come la pantalla. Para mi punto de vista un ídolo deber ser alguien que tanto en lo profesional, como en lo personal, son individuos con un comportamiento intachable, que tanto fuera como dentro de las cámaras, son personas que siguen una senda sin salirse de ella. Porque en definitiva un ídolo debe ser el ejemplo a seguir por mucha gente y si no que se dediquen a otra cosa.

Idealizamos lo que no somos o lo que creemos que nunca llegaremos a ser. Intentamos vivir a través de los ojos de otros, la vida de los otros. Es triste pero es así, nos han creado un mundo tan vacío que convertimos en nuestros tótem, a personas, tal vez, más infelices que nosotros. Pero eso no lo llegaremos a saber. Tan solo nos queda seguir siendo los fans de alguien que caerá en desgracia y al que buscaremos un sustituto.

El mito de la creación del hombre ha sido una constante en mi literatura. Creo que el Génesis es una de las historias más maravillosas jamás escritas, donde el amor y la imprudencia son partes esenciales del relato. Pero hay otra parte más oscura que se nos fue negada, porque realmente el sufrimiento se nombra de pasada en las sagradas escrituras, por eso John Milton en su poemario unitario El paraíso perdido, nos cuenta lo que pudo pasar. Por eso Milton nos muestra a Adán, Eva, el Demonio y demás personajes con una fuerte carga sicológica. Adán y Eva han caído al igual que cayó Luzbel en su día, por eso más que una lucha externa, el cielo y el infierno son las luchas internas que tenernos cada ser humano.

Pablo Auladell Ilustrador Alicantino nos deleita con su personal visión de éste paraíso perdido ilustrado. Sus ilustraciones son oscuras, parecen antiguos grabados, en los que cada detalle cuenta y las luces y las sombras le sirven para componer un lugar indeterminado. Un espacio vital que podría ser cualquier otro y que es el reflejo de lo que pasa por la cabeza de Pablo. Auladell lleva una amplia trayectoria a sus espaldas incluso fue premiado como autor Revelación, Saló del Cómic de Barcelona 2006. Además, esta obra estuvo nominada a Mejor Obra y Mejor Dibujo, aparte de tener muchas obras publicadas, incluso en un diario como Le Monde Diplomatique.

Huacanamo ha realizado un gran trabajo editando esta obra. Lo primero de todo, porque no es una editorial que se dedique a la edición de libros ilustrados y lo segundo porque El paraíso perdido es una obra densa y oscura, que nos adentra en los temores del ser humano. Con este libro nos adentramos al paraíso perdido de Pablo Auladell, el que él ha imaginado, ya que cada cual tenemos el nuestro y ese es el que dormita en nuestro inconsciente. Ya lo dice la contra ¿Cuál fue la causa que obligó a nuestros primeros padres a separarse de su creador? Las respuestas, tras la lectura del libro.

Reseña aparecida en el suplemento Arte y Letras del Heraldo de Aragón.

Por Vanessa Díez.

“Love To Love You Baby” la haría nacer como estrella, aunque después se avergonzase de la canción. Summer jadeó y gimió como si estuviera sintiendo un orgasmo. Se cuenta que para grabarlos pidió un ambiente íntimo con las luces del estudio apagadas para entrar en situación. Hizo pensar que las sensaciones sugeridas en la canción eran reales. En medios como la revista Time llegaron a cuantificar que la canción sumaba 22 orgasmos. La atrevida canción estaba reservada para otra intérprete, pero fue Donna quien propuso el título y la letra, y al final grabó una maqueta. Su versión fue publicada. Cantante y compositora. Fue la música disco y pop en los 70 y 80 la que le daría reconocimiento mundial.

“Love To Love You Baby” se lanzó al principio en Europa, pero varias emisoras la rechazaron por su erotismo y tuvo un éxito modesto. Una copia llegó a Estados Unidos a manos de Neil Bogart, presidente de la firma Casablanca Records. Bogart la hizo sonar en una de sus lujosas fiestas. Los invitados pidieron que sonase una y otra vez. El directivo se puso en contacto con Moroder y Summer, diciéndoles que lanzaría la canción pero que necesitaba una versión extensa para el baile en discotecas. Recibió una versión de 17 minutos, que no cabía en un disco de vinilo de tamaño single y que tuvo que editarse en otro de 12 pulgadas: el maxi-single, formato del que Donna Summer resultó ser pionera.

Amor o sexo solían aparecer en sus canciones, los títulos de varias de sus canciones incluían la palabra “love”. Por ello la apodaron «la Primera Dama del Amor», aunque no le gustaba. Su belleza y sus sugerentes canciones hacían suponer que Donna era una seductora y provocativa mujer, aunque ella tenía una vida más bien discreta. Sus canciones dominaban las pistas de baile y se asociaban a clubes como Studio 54. Fue la época dorada de la música disco.

Años después, la misma cantante se avergonzaría de “Love To Love You Baby” y decidió no interpretarla más, tal vez debido a sus creencias como cristiana renacida. Entre sus canciones más recordadas están “I Feel Love”, “On the Radio” y “Last Dance”.

En 1979 hizo un insólito dueto con Barbra Streissand cantando “(No More Tears) Enough is Enough” una rara incursión de Barbra en el género disco, que se incluyó también en el álbum Wet de Barbra. Este tema también se editó en “maxi-single” y fue un duelo de voces de las dos reinas de la comunidad “gay” que estuvo en el primer lugar de las listas. Aunque a principios de los ochenta la prensa acusó a Summer de haber hecho unas declaraciones homófobas relativas al sida que provocaron críticas. Según la cantante aquellas afirmaciones eran falsas, tenía colaboradores homosexuales y durante años apoyó actividades a favor del colectivo gay.

No todo fue un camino de rosas, hubo espinas. Épocas de ansiedad y depresión. Tranquilizantes y otras drogas recetadas. Se hizo adicta y tuvo que recibir ayuda. Sobre su estrella de la fama seis cirios blancos la recuerdan junto a las flores y algunos de sus discos. Nos falta la «Reina de la música disco». Ganó cinco premios Grammy y once de sus álbumes lograron la certificación de Oro por ventas en Estados Unidos. A lo largo de su carrera vendió más de 100 millones de copias en todo el mundo, lo que la convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos. En el cine sus canciones dieron vida a películas como ¡Por fin es viernes! por la que recibiría el Óscar, por su canción Last Dance. Además quién no recuerda el baile en la cola del paro en Full Monty a ritmo de Hot Stuff. Su incursión en la televisión fue esporádica. Era la tía Oona de Steve Urkel en Cosas de casa.

Desde 1994 tuvo una vida más tranquila. Se mudó con su familia a Nashville , y se volcó en la pintura. Como artista llegó a exponer en Japón, apoyada por Steven Spielberg. Su último disco Crayons era de 2008, se comentaba que en 2011 grabaría una canción para un disco de Soraya, pero todo quedó en nada. Un cáncer de pulmón que llevaba sufriendo desde hace años se la llevó a los 63 años sin dejarla volver de nuevo a los escenarios y terminar su último disco.

Sin paracaídas. Sin miedo. Sin tomar carrerilla, con suavidad. Sin temer al mundo y a los que lo habitan. Sin ser puristas pero fieles a un estilo. Sin forzar pero llegando al extremo… Todo esto y mucho más es lo que resumiría en un par de frases la historia y la trayectoria de un grupo de Barcelona que, pese a no contar con un original comienzo en esto de la música -o sea, nada de leyenda negra ni mitos-, han sabido hacerse un nombre a base de quitarse complejos y dedicarse ser prácticos y contundentes colgándose una guitarra, olvidándose de todo los establecido y expulsando a golpe de distorsión todo lo que llevan dentro.

¿Su nombre? Mujeres. ¿Su sexo? Hombres. Sí, así es. Que nadie espere escuchar la dulce voz de una dama en las canciones de este cuarteto catalán porque detrás de un pseudónimo tan sugerente se esconden unos chicos de barba estilosamente desaliñada y de un salvajismo rítmico tan brutal y frenético que les ha llevado, desde su debut hace cuatro años con Mujeres (Sones, 2009), a ser comparados con bandas como Black Lips o The Strokes -salvando las distancias y refiriéndonos, en el caso de los segundos, a sus primeros trabajos-.

Sus guitarras respiran esa rabia propia del underground más garajero, un sentimiento que vuelve a estar presente en Soft Gems (Warner, 2012), su nuevo disco de estudio, y que unas veces se transforma en un torrente de energía cargado de suciedad, saturación y voces desgarradas (veáse el tema que abre el álbum: Soft Gems); pero que, en otras ocasiones, se presenta de forma más controlada, más fiel a algunos estilos ya establecidos, como ocurre con I’m Over with You y su palpable inspiración yankee.

Los chicos de Mujeres -valga la paradoja-, con la lengua de Shakespeare por bandera (salvo excepciones contadas, como la breve y estrepitosa Salvaje) han hecho un segundo trabajo que, si no les vale para consolidarse como una de las bandas de referencia en nuestro país, al menos les irá allanando el camino para estar más cerca de ser cabezas de cartel de los próximos festivales y conseguir que miles de “fibers” o “sounders”, por poner algún ejemplo de asistentes a estos eventos multitudinarios, tarareen los versos de How I Am -para muchos el punto o nexo de unión entre su debut homónimo y su segundo trabajo- o de la turbiamente dulce Far Away.

Quien busque un poco de tranquilidad, que se olvide de estos chicos. Quien quiera perder unos quilos sudando y saltando hasta partirse los tobillos, que corra ya a ponerse en primera fila. Porque una cosa está clara: Mujeres no decepciona, ahora, que todo el mundo aguante su ritmo ya es otra cosa.

Ariel Rot, exTequila, exRodriguez, es parte de la historia del Rock en España. Este Argentino afincado en España, tiene apariencia del adolescente que nos hizo bailar un rock and roll en la plaza del pueblo. Con la madurez y la distancia que dan los años se ha convertido en uno de los más grandes cantautores del Rock en castellano. Hoy hemos podido hablar con él. Todo un lujo.

-Hola Ariel. ¿Cómo ves tú trayectoria después de tantos años?

Veo un camino muy coherente. Fue en consonancia con lo que fui plasmando en conciertos y en discos, tiene que ver como mi universo musical ha ido evolucionando, del rock and roll más clásico, el de Chuck Berry, el de los Rolling Stones, esa fue mi primera escuela. A partir de los 30 años empecé a introducir la música que escuchaban mis padres, el tango el folclore, la música brasileña, el jazz, quizá ahí fue el momento de Los Rodriguez, creo que seguí por esa línea. No es fácil mantenerse durante tantas décadas entusiasmado y entusiasmando.

-Ya que me has hablado de Influencias, ¿Hay mucha influencia de Sergio Makaroff y de Charlie García?

Hay mucho de la primera época del rock argentino. Grupos como Manal, Almendra. Grupos que no llegaron a España. Son grupos muy añejos digámoslo de alguna forma, pero para mí siguen teniendo la misma magia que cuando los escuché por primera vez. Makaroff fue más que nada un amigo. Fue un maestro, pero más que aprender por sus discos, aprendí por su compañía. Por escuchar sus cancines tocadas por él en el salón de su casa, sobre todo de los textos, cuando en Argentina todavía se llevaba el estilo hippie de contar cosas incoherentes, Sergio trataba de contar historias. De eso aprendí el ser meticuloso con los textos, para que sean ricos y entendibles.

-¿Cuáles son tus influencias literarias?

En la época de Tequila nada (risas), lo cual se nota en los textos. Después en mi primera etapa en solitario descubrí a los escritores malditos, Jean Cocteau, Burroughs , Thomas de Quincey, empecé a meterme en todo eso y a encontrar el placer en el sufrimiento. En los últimos tiempos me ha influenciado Raúl González Tuñón, sus poemas musicalizados por el Cuarteto Cedrón, fuero los que por ejemplo me llevaron a hacer La Milonga del marinero y el capitán. Pero en definitiva leo mucho, siempre estoy leyendo algún libro, dentro del tiempo que saco y de la concentración. Creo que de todo lo que lees sacas algo.

-De la música actual española ¿Qué es lo que te está gustando?

Estoy perdido en ese sentido. Me da la sensación que con este tema de la crisis musical, que ya lleva mucho más tiempo que la crisis económica, las compañías se han vuelto tremendamente conservadoras y lo que hacen es clonar cualquier cosa que tenga éxito. Hay muy poco lugar para la sorpresa, para el riesgo. Tal vez encontrando medios paralelos, uno pueda buscar y encontrar alguna cosa sorprendente, por ejemplo descubrí un grupo que se llama Guadalupe Plata, son de Granada, hacen como una especie de Psyko Billie, pero claro nunca van a llegar a los medios mainstream, jamás. La radio se divorció hace mucho tiempo del rock como arte y se dedica solamente al mundo del entretenimiento.

-Por lo que me das a entender, usas internet la red para llegar a otras propuestas musicales.

No tengo tiempo para ir buscando. Hay cosas que me llegan de casualidad y las escucho, a veces 20 segundos y a veces me descargo un disco entero, como en el caso de Guadalupe Plata. No tengo tiempo ni estoy en la edad de una necesidad de información, en todo caso las cosas me llegan, tengo una tienda de discos que me conocen y saben que me puede gustar. Escucho mucha música antigua todo el tiempo, no solo rock, swing de los años 40, todo ese tipo de cosas.

-¿Otras artes te han interesado alguna vez? La pintura, el cine…

Me interesan pero he de reconocer que voy muy poco a los museos y muy poco al cine. Desde que he sido padre en ese sentido, voy a ver más películas infantiles que otra cosa. Son muy buenas por cierto.

-Ya para terminar. ¿Algún proyecto futuro?

Si por supuesto, siempre preparando nuevas canciones. No se ni cuando, ni como, pero ya hay un buen material.

Pues nada estamos deseosos de escucharlo. Muchas gracias y buena suerte Ariel.

Dos acordes, un poco de distorsión y varias frases ingeniosas. Si a estas tres cosas le sumamos unos cuantos sonidos curiosos y subimos el volumen de los instrumentos hasta camuflar la voz y que parezca que nos están enviando mensajes desde el Más Allá, obtendremos la fórmula exacta que utilizan muchos grupos indie para encabezar carteles en festivales y llenar salas de conciertos.

No dudo que el pop se caracterice por la frescura y la sencillez. Tampoco niego que la innovación es algo que me lleva atrayendo desde que los Planetas irrumpieron en el panorama musical con sus distorsiones interminables y sus versos difuminados -pero siempre trabajados-; sin embargo, no pocas veces me he parado a pensar… ¿Dónde ha quedado la autenticidad? ¿Será todo fruto de dejarnos influenciar por lo más extravagante y lejano atendiendo a aquello de que “nadie es profeta en su tierra”?

Tic, tac, tic, tac… ¡Quien tenga respuesta que levante la mano! Yo, por mi parte, lo que puedo decir con una inmensa alegría es que el viernes asistí al concierto de un grupo que sí demuestra originalidad y trabajo en todo lo que hace, un grupo que a fuerza de ofrecer su arte en forma de canciones ha conseguido profetizar tanto en su tierra como en casi todo el territorio nacional: Klaus&Kinski, que están de estreno de Herreros y Fatigas (Jabalina, 2012), su tercer “hijo”.

Este dúo murciano, que lleva ya tres discos de estudio -sin contar colaboraciones o discos de versiones- llenó la sala de la Llotja de Elche de talento, luz y sensibilidad con una puesta en escena de lo más verbenera -entendido en el mejor de los sentidos, como pudo comprobarse cuando a lo largo de toda la actuación iba proyectándose a espaldas de los músicos una imagen con banderitas y luces de fiesta que simulaba, con efectos de luz, el paso del día, desde la tarde a la noche- y gracias a la dulce voz de Marina y a la excelente compenetración del resto de la banda, con Álex y su guitarra a la cabeza.

Canciones como Mengele y el amor o El Rey del Mambo y La Reina de Saba, de un estilo tan original como clásico -ukelele y coros de tipo “bolero” de Álex incluídos-, se mezclaron encima del escenario con piezas mucho más movidas – todos bailamos con la marchosa Rockanrolear y con la elctrónica Forma, Sentido y Realidad- y con temas que no podían faltar como Mamá No Quiero ir al Colegio, que resultó en directo tan espectacular como lo es en Tierra, Trágalos (Jabalina, 2010), uno de sus trabajos más conocidos.

Sé que ver a un grupo tan auténtico puede resultar peligroso -recordemos que las comparaciones entre un directo y lo que suele presentarse ya editado en un cd no siempre son una buena idea-, pero Klaus and Kinski ofrecieron un espectáculo de lo más equilibrado, tanto en calidad como en cantidad. Ellos, como diría Aristóteles, encontraron “el término medio” para presentar ante los asistentes una selección de canciones que, con una interpretación impecable, emocionaron y divirtieron por igual a todos los que allí nos congregamos para comprobar que lo auténtico sigue existiendo (y mucho más cerca de lo que creemos).

Por Vanessa Díez.

Existen varios ejemplos a lo largo de la historia de mujeres bellas e inteligentes, luchadoras y de carácter fuerte que acabaron rotas por dentro, incomprendidas y solas. Frances Framer es una de ellas. Luchadora, rebelde, libre, comprometida y sensible con los más desfavorecidos por la fortuna. Murió a los cincuenta y seis años de edad de un cáncer que la fue consumiendo en sus últimos años. Murió como vivió, sola. Nadie llegó a comprenderla ni su propia madre ni el mundo al que se enfrentó. Llegó a ser internada en varios psiquiátricos en los que vivió un infierno, ya que llegaría a ser violada por los funcionarios, mordida por ratas y envenenada con comida podrida. La encadenaron en celdas de seguridad, fue maniatada con camisas de fuerza y medio ahogada en agua helada. Consiguieron así por fin, tras una dura lucha,domar y anular, un espíritu y una inteligencia que les molestaba y por comparación, los humillaba. Fue víctima de una lobotomía (técnica por la que se separaba en dos el cerebro, seccionando y separando el lóbulo pre-frontal, del resto de la masa cerebral).

Nació en Seattlle. Ganó un premio nacional de redacción en la adolescencia, al mejor trabajo que negara la existencia de Dios. Esto ya auguraba su destino a contracorriente en el que defendería su libertad de criterio.

Su carrera en Hollywood fue durante la gran depresión americana, que dejó en el paro y en la miseria a casi cuarenta millones de americanos, algo a lo que pocos volvieron la cabeza. Sus ideas progresistas y radicales,  la convirtieron en víctima de un ataque entre la Paramount, la prensa, la sociedad puritana y su propia madre al rebelarse contra el sistema. Fue acosada, vilipendiada, enclaustrada y encarcelada, a lo que ella reaccionó defendiéndose con una fuerza y una rabia que la fue autodestruyendo física, mental y psicológicamente.

Actriz de teatro con gran éxito (amaba a los autores rusos, sobre todo a Chejov) y varias películas como Rivales; El ídolo de Nueva York o El hijo de la furia. Fue coprotagonista en películas junto a actores como Cary Grant, Errol Flyn o Tyrone Power. Acusada de alcohólica, comunista,drogadicta y revolucionaria, finalmente y ya con su energía y carácter destrozado.

“Frances“ es un biopic sobre su vida  interpretado por Jessica Lange y Sam Shepard como Harry York, el periodista que siempre la acompañó, pero con el nunca quiso casarse. Frances sólo hizo una película más. Después se mudó a a Indianápolis donde presentó dos shows de televisión. Nunca volvería a ser la misma.

Cuando hay voluntad de hacer cosas la crisis se aparca a un lado. El instituto Juan Gil Albert organismo que pertenece a la Diputación provincial de Alicante es una clara muestra de ello. De un tiempo a esta parte se ha podido disfrutar de ciclos de poesía, conciertos, cine fórum, conferencias y decenas de actividades que han hecho que Alicante sea un punto de referencia.

Ayer sábado por la tarde tuvimos la suerte de poder disfrutar de una mezcla de concierto de Jazz y recital poético. Ellos se presentan así: “JAS! es la forma con que indicamos a alguien que tome lo que le ofrecemos; equivale a toma, ten. Con este nombre, el compositor y músico David Pastor, actual director de la Big Band del Taller de Músicos de Barcelona y el escritor Lluís Roda, ganador de los Juegos Florales de Barcelona y Poeta de la Ciudad, estrenaron hace un año a La Pedrera dentro del marco de Barcelona Poesía 2011 el resultado de su simbiosis creativa, la música original de uno con la poesía del otro. Piano, trompeta, saxo, contrabajo y batería acompañan la diversidad de los registros de la producción poética de Rueda: de los poemas más líricos a los más discursivos, de los más herméticos a los más inmediatos, o a los más profundos. La voz del poeta se inserta dentro los ritmos de swing, free jazz, bolero, jazz waltz, balada y fusión latina escritos por David Pastor a tal fin. Una apuesta por el diálogo entre dos amigos, o más”. Pudimos comprobar que ese dialogo era perfecto. La poesía y la música que casi siempre van unidas nos llegaban como golpes, pequeños espasmos desestructurados, ya que el jazz es la improvisación en estado puro. Un goce para un sábado por la tarde que ya entrado el calor se agradece este tipo de eventos.

El instituto Juan Gil Albert está atravesando una gran época. En plena crisis y supongo que con mucho esfuerzo, nos está deleitando con actividades que conjugan, gente con una amplia experiencia en cada uno de sus campos y otros, mas noveles, que están imprimiendo su voz. Es esperanzador observar como el equipo de la institución Alicantina mima cada acto como si fuera único. Esperemos que siga esta racha y vaya in crescendo.

América aparte de ser un continente y un nombre que a mi entender y parecer es precioso, también es un icono para los muchos integrantes de una generación. Si alguna vez me he definido, ha sido como miembro de esa generación de la botella de Coca cola de cristal de litro. Es un símbolo y una manera de entender la vida. Siempre Coca Cola está muy extendido en las mesas de miles de casas Españolas. Pero no hablamos de América en su conjunto, hablamos de las formas de vida y de ver el mundo que nos ha mostrado ese extenso país llamado Estados Unidos.

Fundación Bancaja presenta la exposición Hallo América! que se podrá visitar en el Centro Cultural Bancaja de Alicante hasta el próximo 26 de agosto. La muestra, realizada en colaboración con el Instituto Valenciano de Arte Moderno, recoge una selección de 50 piezas procedentes de los fondos artísticos del IVAM, que se presentan por primera vez al público, y que analizan la irrupción y el desarrollo del mito de los Estados Unidos y su influencia decisiva en el debate sobre la cultura visual contemporánea. Comisariada por Joan Ramon Escrivà, conservador del IVAM, la muestra permite acercarse a los trabajos de artistas de reconocido prestigio como Robert Frank, El Lissitzky, Equipo Crónica, Anzo, Erró, Dorothea Lange, Josep Renau, Richard Hamilton, Lewis Hine, Krazansky, Walker Evans o John Baldessari, entre otros.

Hallo América! –que toma su título de una cubierta de la revista Nueva Cultura de 1936- analiza el modelo de vida y la producción cultural de los Estados Unidos y cómo desde su conversión en potencia mundial a partir de la Segunda Guerra Mundial, el país ha sido objeto tanto de fascinación como de rechazo entre los distintos estratos de la intelectualidad occidental. Posturas contrapuestas que se plasman en la selección de obras de la exposición, conformada por pintura, fotomontajes, fotografías, libros, carteles, linograbados, litografías y una selección de anuncios publicitarios procedentes de revistas americanas de los años 50.

El Way of life Americano, ese sueño que todos hemos soñado, donde los flashes y la abundancia son la punta de lanza de nuestra sociedad. Ahí se tiene un claro ejemplo español en la película Bienvenido Mister Mashall, donde los habitantes de un pueblo de la España profunda, piensa que América es la salvación, cuando es solo uno más del engranaje. Siempre hemos tenido la majestuosidad grabada en la retina, edificios altos, cadenas kilométricas de montaje, grandes extensiones de tierra, apartamentos luminosos, bellezas extremas del cine,la ruta 66 que cruza todo el país, todo más y más grande. Estados unidos ha sido, es y será el paradigma del consumo a gran escala. Y la imagen de lo que todos soñábamos ser y que la publicidad nos ha invadido con sus mensajes de felicidad.

La exposición que permanecerá en Alicante hasta el 26 de Agosto de 2012 se puede ver en el Centro Cultural Bancaja Rambla Méndez Núñez, 4 , Alicante. Con entrada gratuita puede visitarse de martes a domingo, de 10 a 14 y de 17 a 21 horas.